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Caligrafía japonesa

Caligrafía japonesa


Los diferentes estilos de caligrafía japonesa

La caligrafía japonesa es un arte elegante y emotivo que está impregnado de una rica historia y cultura. Cualquiera puede practicar y aprender esta forma de arte única, que también se conoce como caligrafía japonesa shodo, y se expresa maravillosamente a través de una serie de pinceladas. Shodo se traduce directamente como "la forma de escribir", y se necesitan décadas para dominar realmente esta forma de caligrafía. En este artículo, proporcionaremos una breve historia de la caligrafía japonesa, identificaremos los diferentes estilos y discutiremos los instrumentos ¡tienes que empezar!


Historia y formas de la caligrafía japonesa

En Japón, la caligrafía se introdujo alrededor del año 600 d.C. y se la conoce como Shodō, o "la forma de escribir". Shodō se inspiró en la caligrafía china que se remonta al siglo 28 a. C. Se cree que los creadores de esta forma de arte son Kuukai (un monje budista), el Emperador Saga y Tachibana no Hayanari (un cortesano). Juntos pudieron crear un estilo de caligrafía único llamado wayou o estilo japonés.

Así como los niños estadounidenses aprenden cursiva en la escuela primaria, los niños japoneses también aprenden caligrafía en la escuela. Hay tres estilos distintos de caligrafía: kaisho, gyosho y sousho.


Kaisho es un estilo práctico en el que cada trazo se realiza con mucho cuidado y deliberación, para que las líneas queden limpias y ordenadas. Puede comparar este estilo de caligrafía japonesa con una fuente de computadora. La mayoría de los niños aprenden este estilo primero, ya que las letras son similares a los caracteres cotidianos. Aprender Kaisho les ayudará a aprender a usar el cepillo, que también se conoce como "fude".


El siguiente estilo es gyousho, una versión semicursiva de la caligrafía japonesa. Gyosho se describe mejor como un tipo de escritura rápida. Imagina que tienes prisa y solo estás tratando de escribir algo rápidamente, ¡eso es gyosho! Este estilo tiene una sensación más orgánica. Los trazos son más redondeados que los estrictos trazos de kaisho y pueden ser leídos por la mayoría de los adultos japoneses con facilidad.


El estilo final se conoce como sousho, que es el estilo cursivo de la caligrafía japonesa. Al escribir con este estilo, el artista rara vez moverá el pincel del papel. Las curvas de los personajes son mucho más redondeadas que el estilo gyousho. Una verdadera forma de arte, este estilo de caligrafía está escrito más por el atractivo estético que por la funcionalidad. Solo aquellos con una formación especial podrán leer este tipo de guiones.


Historia de Shodo

Como puede imaginar, shodō tiene su origen en China y se introdujo por primera vez en Japón a principios del siglo V. Antes de la introducción del shodō, a menudo se pensaba que Japón carecía de cultura literaria en Japón, ya que no era necesario.

Más tarde, después de la introducción del budismo en Japón, el shodō comenzó a ganar popularidad. Durante este período en Japón, los caracteres chinos se utilizaron ampliamente para copiar los sutras budistas y, como resultado, las primeras obras de shodō están todas relacionadas con el budismo.

Shodō se hizo popular, a medida que el budismo se introdujo en Japón y la gente usaba letras para copiar los sutras budistas, por lo que las primeras obras de shodō están todos relacionados con el budismo. El príncipe Shōtoku Taishi (574 - 622) promovió el budismo y la práctica de copiar sutras a mano como parte de la meditación, conocida en japonés como shakyō, que difundió aún más la práctica de la caligrafía. A lo largo de este tiempo, el estilo estético del shodō imitó muy de cerca los estilos de la caligrafía china.

No fue hasta el Período Heian (794-1185) que el shodō finalmente comenzó a desviarse de la caligrafía china, una separación inspirada por maestros como Ono-no-Michikaze (894-966) y el monje budista Kukai (774-835). En este momento, la caligrafía de estilo japonés comenzó a volverse más cursiva y redondeada, dando lugar a caracteres japoneses (kana), que eventualmente se convirtió en el hiragana utilizado hoy.

La difusión del budismo zen durante el período Kamakura (1185 a 1333) dio origen a una nueva forma de caligrafía conocida como bokuseki, que presentaba una forma liberal, reglas flexibles y un estilo desenfrenado. Parece muy abstracto y más emocional en comparación con los estilos de caligrafía más antiguos. Cuando Japón reabrió a Occidente a mediados del siglo XIX después de un largo período de aislamiento, la caligrafía volvió a experimentar cambios significativos. A lo largo de los años 1800 y 1900, los calígrafos comenzaron a ver su oficio como un arte a través del cual expresarse, de manera similar a la pintura occidental.


DONDE SE CONVIERTE & # 8220WRITING & # 8221

Las quemaduras de caparazones de tortuga anteriores fueron la base y el fundamento del sistema de escritura chino, pero no fue hasta la dinastía Zhou (después de la anterior dinastía Shang que quemó caparazones de tortuga) cuando las cosas comenzaron a ponerse interesantes. La dinastía Shang desapareció y la dinastía Zhou encontró todos estos caparazones de tortuga y pensaron & # 8220dang, esto podría ser una especie de sistema de escritura & # 8221. -caracteres de concha. Sin embargo, los escribas de esta dinastía nunca se tomaron el tiempo para estudiar los originales, así que empezaron a inventar cosas. Si no conocieran a un personaje, llegarían a una aproximación, lo que, por supuesto, llevaría a que nacieran muchos kanji (así como mucha inconsistencia en la escritura). Había múltiples reinos y múltiples formas de escribir, e imagino que leer fue muy confuso ya que nadie seguía los originales al 100%. Confucio incluso se quejó de esto aparentemente, lo cual no es tan sorprendente, porque Confucio era un gran llorón. Alguien llame al Whaambulance… Whaaa, whaaa.

No fue hasta la dinastía Qin (que fue como en el 221 a. C.) que China se unió en un solo reino, y el sistema de escritura también estaba unido. Li Si (el Primer Ministro) escribe un índice de todos los caracteres requeridos que los eruditos deben aprender, que contiene 3300 kanji diferentes. Eso significa que todos finalmente hicieron kanji de la misma manera, y Kanji finalmente se volvió útil (y listo para llegar a Japón). Un breve comentario: lamentablemente, esta lista de 3.300 kanji no dura. Las personas inteligentes aprenden más de 10,000 kanji en China y hasta 8,000 kanji en Japón (donde, afortunadamente, el kanji no se usa en absoluto todo). Afortunadamente, puedes arreglártelas cómodamente con alrededor de 2.000.


Con demasiada frecuencia vemos que la caligrafía japonesa se usa incorrectamente, por lo que decidimos ofrecer nuestra obra de arte de forma gratuita. Esperamos que esta referencia en línea gratuita reduzca la cantidad de shodō dibujados incorrectamente, así como también limite las traducciones inexactas que vemos en tatuajes, carteles, fotos de archivo, sitios web y más. Internet es un recurso increíble, pero muchas personas tienden a aceptar lo que ven en línea sin dudarlo, especialmente cuando no están familiarizadas con el tema. Una mala traducción o un mal dibujo de Shodō o Kanji pueden distorsionar por completo el significado de la escritura y quitarle la naturaleza a esta sorprendente forma de arte. Queremos que todos los que deseen utilizar la caligrafía japonesa sepan lo hermosa que puede ser la caligrafía japonesa REAL.

Puede confiar en que nuestro sitio le proporcionará un Shodō preciso, ya que todas nuestras obras fueron dibujadas por Eiko, una verdadera Maestra de Shodō japonesa, certificada por la "Nihon Shodō Kyokai (Asociación de Shodō de Japón)". Encontrará que el delicado trabajo de Eiko es a la vez hermoso y sofisticado. De hecho, su Gago (seudónimo) es "Suisen (水 扇)" que significa "Abanico de agua".

Vuelva a consultar con frecuencia para obtener actualizaciones tanto aquí como en nuestra página de Facebook. Subiremos nuevos dibujos de Shodō con regularidad.


Donde todo comienza (las tortugas lo tuvieron difícil)

Ahora, esto es solo una teoría (aunque a la gente parece gustarle), pero en el pasado en China (estamos hablando del 2000 a.C., eso es alrededor de 4000 años atrás) la gente necesitaba hacer preguntas a los cielos. ¿Cómo hicieron preguntas? No gritando al cielo. En cambio, tomarían caparazones de tortuga o huesos de animales y los quemarían.

Ahora, cuando se quema un caparazón de tortuga o un hueso de animal, se forman grietas. A partir de ahí, analizarían estas grietas y las escribirían (es decir, las copiarían), extrayendo significado de ellas comparando las grietas con cosas de la vida real (es decir, si las grietas parecían algo, le atribuirían algún significado). . Al matar muchas tortugas, podrías averiguar si iba a llover, si habría un desastre o lo que quisieras (diablos, estás sacando sentido de los caparazones de tortuga quemados aquí).

Después de un tiempo, dado que los escribas llevaban un registro de todos estos caparazones de tortuga agrietados y huesos de animales, empezarían a reproducir estos "símbolos" en los caparazones de tortuga no quemados. Supongo que pensaron que las grietas quemadas eran un mensaje de los dioses, y al replicarlas y "enviarlas de regreso", podrían pedir las cosas que querían (después de descubrir qué significaban las grietas en primer lugar). Es por eso que hay un buen número de caparazones de tortuga con caracteres chinos escritos en ellos de esta época. Pobres tortugas. Aquí, puede echar un vistazo a la escritura de carey y tener una idea de cómo evolucionó con el tiempo:

Estoy bastante seguro de que malinterpretaron el símbolo "Danza" de "Bombardero B51 arrojando peces para la gran gloria de China".


Historia de la caligrafía japonesa y su edad de oro

La caligrafía japonesa que reconocemos hoy comenzó con Emperor Saga. La escritura cambió significativamente del estilo chino. Se utilizó para el mantenimiento de registros oficiales y se enseñó en las escuelas. Incluso mientras el gobierno japonés se volvió más militarista, la caligrafía como forma de arte prosperó. Durante el tiempo en que Japón se aisló del resto del mundo, la caligrafía creció sin influencias externas. Una vez que el país volvió a abrirse, la caligrafía japonesa se hizo conocida en todo el mundo.

Hoy en día, la caligrafía sigue funcionando bien. Las escuelas primarias enseñan lo básico y los estudiantes pueden optar por seguir estudiándolo a medida que crecen, para que el arte continúe durante las generaciones venideras. Puede encontrar innumerables tutoriales y libros en línea, si esta práctica ancestral le interesa.

Escritorio de caligrafía japonesa


La historia de Shodo

El idioma japonés usa tres escrituras: kanji, hiragana, y katakana.
Kanji son caracteres chinos, introducidos en Japón junto con el budismo alrededor del siglo V d.C. El japonés carecía de una forma escrita en ese momento, por lo que el chino se usaba para la comunicación escrita y los textos religiosos. A mediados del siglo VII, man'yogana, entró en uso un sistema de escritura que utilizaba caracteres chinos para representar sonidos japoneses. Es de este período que sobreviven las obras más antiguas de caligrafía japonesa, muchas de las cuales todavía usan chino.
De man'yogana vinieron los otros dos guiones de Japón. Hiragana evolucionó a partir del estilo fluido y cursivo utilizado por las mujeres de la corte imperial, mientras katakana fueron desarrollados por monjes budistas como un medio de abreviar caracteres chinos complejos mientras se copiaban textos religiosos.
La caligrafía en estilo chino vio su apogeo en el período Heian, de 794 a 1185. A principios del siglo IX, el monje Kukai, el emperador Saga y Tachibana no Hayanari fueron llamados los Sanpitsu, o "tres pinceles", y fueron considerados los mejores calígrafos de la época.
En el siglo X, otro trío, Ono no Michikaze, Fujiwara no Yukinari y Fujiwara no Sukemasa, establecieron las bases de kana caligrafía. Fueron conocidos como los Sanseki, los "tres rastros", y se los considera los fundadores del estilo wayo japonés distinto de las imitaciones chinas.
Desde estos fundamentos clásicos, shodo ha continuado desarrollándose hasta el día de hoy.


Características generales

El estudio del arte japonés se ha complicado con frecuencia por las definiciones y expectativas establecidas a finales del siglo XIX y principios del XX, cuando Japón se abrió a Occidente. La ocasión de una interacción drásticamente incrementada con otras culturas parecía requerir un resumen conveniente de los principios estéticos japoneses, y los historiadores del arte y arqueólogos japoneses comenzaron a construir metodologías para categorizar y evaluar un vasto cuerpo de material que va desde la cerámica neolítica hasta los grabados en bloques de madera. Formuladas en parte a partir de evaluaciones académicas contemporáneas y en parte a partir de la síntesis de entusiastas generalistas, estas teorías sobre las características de la cultura japonesa y, más específicamente, el arte japonés, no tenían inesperadamente los prejuicios y gustos de la época. Por ejemplo, existía una tendencia a proyectar el arte de la corte del período Heian (794-1185) como la cúspide de los logros artísticos japoneses. La preferencia estética por el refinamiento, por imágenes sutilmente imbuidas de significado metafórico, reflejaba las costumbres cortesanas sublimemente matizadas que solo permitían una referencia indirecta a la emoción y valoraba la sugerencia sobre la declaración audaz. Junto con la canonización de la estética de la corte de Heian, existía la noción de que las sensibilidades estéticas que rodeaban la ceremonia del té eran esencialmente japonesas. Este ritual comunitario, desarrollado en el siglo XVI, enfatizó la yuxtaposición hiperconsciente de objetos encontrados y finamente elaborados en un ejercicio destinado a conducir a sutiles epifanías de conocimiento. Destacó además el papel central de la indirecta y la subestimación en la estética visual japonesa.

Uno de los proselitistas más importantes de la cultura japonesa en Occidente fue Okakura Kakuzō. Como curador de arte japonés en el Museo de Bellas Artes de Boston, expuso los misterios del arte y la cultura asiáticos a los apreciados brahmanes de Boston. Como autor de obras como Los ideales de Oriente (1903), El despertar de Japón (1904) y El libro del té (1906), llegó a una audiencia aún más amplia, ansiosa por encontrar un antídoto contra el acero resonante y las chimeneas eructantes de la modernidad occidental. Japón —y, en general, Asia— fue entendido como una fuente potencial de renovación espiritual para Occidente. Hubo un contrapunto irónico a las lecciones de Okakura cuando una marina japonesa completamente moderna hizo picadillo a la orgullosa flota rusa que navegaba por el estrecho de Tsushima en el momento culminante de la guerra ruso-japonesa (1904-05). Este Japón sorprendentemente belicoso era claramente más que té y gasa, y parecía que quizás una definición demasiado selectiva de las artes y la cultura japonesas podría haber excluido útiles indicios de violencia, pasión y tendencias de heterodoxia profundamente influyentes.

A comienzos del siglo XXI, las impresiones superficiales de Japón aún fomentaban una imagen esquizofrénica persistente que combinaba las características polares del refinamiento elegante y la destreza económica. Sin embargo, las trampas de la simplificación excesiva se han señalado anteriormente, y un siglo de erudición, tanto japonesa como occidental, ha proporcionado una amplia evidencia de una herencia de expresión visual que es tan completamente compleja y variada como la cultura más amplia que la produjo. Sin embargo, dentro de la diversidad, los patrones e inclinaciones discernibles pueden reconocerse y caracterizarse como japoneses.

La mayor parte del arte japonés lleva la marca de una amplia interacción o reacción a fuerzas externas. El budismo, que se originó en la India y se desarrolló en toda Asia, fue el vehículo de influencia más persistente. Proporcionó a Japón una iconografía ya bien establecida y también ofreció perspectivas sobre la relación entre las artes visuales y el desarrollo espiritual. En los siglos VI y VII se produjeron notables afluencias de budismo de Corea. El estilo internacional chino Tang fue el punto focal del desarrollo artístico japonés en el siglo VIII, mientras que las iconografías del budismo esotérico chino fueron muy influyentes desde el siglo IX. Las principales inmigraciones de monjes budistas chinos Chan (japonés: Zen) en los siglos XIII y XIV y, en menor grado, en el siglo XVII dejaron marcas indelebles en la cultura visual japonesa. Estos períodos de impacto y asimilación trajeron no solo iconografía religiosa, sino también características vastas y en gran parte indigeridas de la cultura china. A los japoneses se les presentaron estructuras completas de expresión cultural, desde un sistema de escritura hasta estructuras políticas.

Así, se han postulado varias teorías que describen el desarrollo de la cultura japonesa y, en particular, la cultura visual como un patrón cíclico de asimilación, adaptación y reacción. La característica reactiva se utiliza a veces para describir períodos en los que florecen las características más obviamente únicas e indígenas del arte japonés. Por ejemplo, durante los siglos X y XI del período Heian, cuando, por razones políticas, cesó el contacto extenso con China, hubo una consolidación y un extenso desarrollo de estilos distintivos de pintura y escritura japoneses. De manera similar, la vasta influencia de la estética Zen china que marcó la cultura del período Muromachi (1338-1573), caracterizada por el gusto por la pintura monocromática con tinta, fue eclipsada en los albores del período Tokugawa (1603-1867) por un género audazmente colorido. y pintura decorativa que celebraba la floreciente cultura nativa de la nación recién unida. Sin embargo, la noción de asimilación cíclica y luego la afirmación de la independencia requiere muchos matices. Debe reconocerse que, si bien hubo períodos en los que predominaron las formas de arte continental o indígena, por lo general las dos formas coexistieron.

Otra característica omnipresente del arte japonés es la comprensión del mundo natural como una fuente de percepción espiritual y un espejo instructivo de la emoción humana. Una sensibilidad religiosa indígena que precedió por mucho al budismo percibió que un reino espiritual se manifestaba en la naturaleza (ver Sintoísmo). Los afloramientos rocosos, las cascadas y los viejos árboles nudosos se consideraban las moradas de los espíritus y se entendían como su personificación. Este sistema de creencias dotó a gran parte de la naturaleza de cualidades numinosas. A su vez, alimentó un sentido de proximidad e intimidad con el mundo del espíritu, así como una confianza en la benevolencia general de la naturaleza. El ciclo de las estaciones fue profundamente instructivo y reveló, por ejemplo, que la inmutabilidad y la perfección trascendente no eran normas naturales. Todo se entendía sujeto a un ciclo de nacimiento, fructificación, muerte y decadencia. Las nociones budistas importadas de fugacidad se fusionaron así con la tendencia indígena a buscar instrucción en la naturaleza.

La atenta proximidad a la naturaleza desarrolló y reforzó una estética que generalmente evitaba el artificio. En la producción de obras de arte, las cualidades naturales de los materiales constitutivos recibieron especial prominencia y se entendieron como parte integral de cualquier significado total que profesara una obra. Cuando, por ejemplo, la escultura budista japonesa del siglo IX pasó de los modelos Tang de estuco o bronce y pasó por un tiempo a maderas naturales sin policromar, formas iconográficas ya antiguas se fusionaron con un respeto preexistente y multinivel por la madera.

La unión con lo natural también fue un elemento de la arquitectura japonesa. La arquitectura parecía ajustarse a la naturaleza. La simetría de los planos de los templos de estilo chino dio paso a diseños asimétricos que seguían los contornos específicos de la topografía montañosa y montañosa. Las fronteras existentes entre las estructuras y el mundo natural eran deliberadamente oscuras. Elementos como terrazas largas y múltiples paneles deslizantes ofrecían vistas constantes de la naturaleza, aunque la naturaleza a menudo estaba cuidadosamente arreglada y fabricada en lugar de salvaje y real.

La obra de arte o arquitectura perfectamente formada, intacta y prístina, finalmente se consideró distante, fría e incluso grotesca. Esta sensibilidad también fue evidente en las tendencias de la iconografía religiosa japonesa. La cosmología sagrada jerárquica ordenada del mundo budista generalmente heredada de China presentaba las características del sistema judicial imperial terrenal de China. Si bien algunas de esas características se conservaron en la adaptación japonesa, también hubo una tendencia concurrente e irreprimible hacia la creación de deidades fácilmente accesibles. Esto generalmente significaba la elevación de deidades auxiliares como Jizō Bosatsu (sánscrito: Kshitigarbha bodhisattva) o Kannon Bosatsu (Avalokiteshvara) a niveles de mayor devoción al culto. La compasión inherente de las deidades supremas se expresó a través de estas figuras y su iconografía.

La interacción del mundo espiritual y natural también se expresó deliciosamente en las numerosas pinturas de pergaminos narrativas producidas en el período medieval. Las historias de la fundación de templos y las biografías de los fundadores santos estaban repletas de episodios que describían fuerzas celestiales y demoníacas que deambulaban por la tierra e interactuaban con la población a escala humana. Había una marcada tendencia hacia la cómoda domesticación de lo sobrenatural. La clara distinción entre el bien y el mal se redujo suavemente, y los seres de otro mundo adquirieron características de ambigüedad humana que les otorgaron un nivel de accesibilidad, lo que prosaicamente falló en lo perfecto de ambos extremos.

Aún más obviamente, las obras decorativas, como los esmaltes brillantes policromados sobre vidriado populares del siglo XVII, seleccionaron la preponderancia de sus imágenes de la superficie del mundo natural. Los patrones repetidos que se encuentran en las superficies de textiles, cerámicas y lacas suelen ser abstracciones cuidadosamente trabajadas de formas naturales como ondas o agujas de pino. En muchos casos, se prefiere el patrón, como una especie de sugerencia o sugerencia de subestructura molecular, al realismo cuidadosamente representado.

El mundo cotidiano del esfuerzo humano ha sido cuidadosamente observado por artistas japoneses. Por ejemplo, la figura humana en una multiplicidad de poses mundanas fue registrada de manera memorable por el artista de grabado Hokusai (1760-1849). Lo peculiar y humorístico rara vez eludía la vista de los muchos creadores anónimos de pergaminos medievales o pinturas de pantalla de género del siglo XVII. La sangre y la sangre, ya sea en la batalla o en el caos criminal, se registraron vigorosamente como aspectos innegables del ser humano. De manera similar, lo sensual y lo erótico se expresaron de manera deliciosa y sin censura. La reverencia y la curiosidad por lo natural se extendieron desde la botánica a todas las dimensiones de la actividad humana.

En resumen, la gama de artes visuales japonesas es extensa y algunos elementos parecen verdaderamente antitéticos. Un manuscrito de sutra iluminado del siglo XII y una escena macabra de seppuku (destripamiento ritual) representado por el artista de impresión del siglo XIX Tsukioka Yoshitoshi puede ser forzado a adoptar una estética común solo de la manera más artificial. Por lo tanto, se aconseja al espectador que espere una sorprendente variedad de diversidad. Sin embargo, dentro de ese cuerpo diverso de expresión, ciertos elementos característicos parecen ser recurrentes: un arte agresivamente asimilativo, un profundo respeto por la naturaleza como modelo, una decidida preferencia por el deleite sobre la afirmación dogmática en la descripción de los fenómenos, una tendencia a dar compasión y escala humana hacia la iconografía religiosa, y el afecto por los materiales como importantes vehículos de significado.


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