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Cronología de Cerveteri

Cronología de Cerveteri


Islas eolias

los Islas eolias (/ iː ˈ oʊ l i ən / ee- OH -lee-ən Italiano: Isole Eolie [ˈIːzole eˈɔːlje] Siciliano: Ìsuli Eoli Griego: Αιολίδες Νήσοι, romanizado: Aiolídes Nísoi), a veces denominado el Islas Lipari o Grupo Lipari (/ ˈ l ɪ p ə r ​​i / LABIO -ə-ree, Italiano: [ˈLiːpari]) por su isla más grande, son un archipiélago volcánico en el Mar Tirreno al norte de Sicilia, llamado así por el semidiós de los vientos Eolo. [1] Los habitantes de las islas se conocen como eolios (italiano: Eoliani). Las islas tenían una población permanente de 14.224 en el censo de 2011, la última estimación oficial es de 15.419 al 1 de enero de 2019. Las Islas Eolias son un destino turístico popular en el verano y atraen hasta 600.000 visitantes al año.

Hay siete islas importantes: Lipari, Vulcano, Salina, Stromboli, Filicudi, Alicudi y Panarea, y un conjunto de islas menores y rocas entre Panarea y Basilluzzo.


Contenido

Antigüedad y Edad Media Editar

Los primeros asentamientos documentados en la zona de la actual provincia de Ferrara datan del siglo VI a. C. [5] Las ruinas de la ciudad etrusca de Spina, establecida a lo largo de las lagunas en la antigua desembocadura del río Po, se perdieron hasta los tiempos modernos, cuando los sistemas de drenaje en las marismas de Valli di Comacchio en 1922 revelaron oficialmente por primera vez una necrópolis con más de 4.000 tumbas. , evidencia de un núcleo de población que en la Antigüedad debió haber jugado un papel importante. [6]

Existe incertidumbre entre los estudiosos sobre el origen romano propuesto del asentamiento en su ubicación actual (Tácito y Boccaccio se refieren a un "Forum Alieni" [7]), porque se sabe poco de este período, [8] pero algunas evidencias arqueológicas apuntan a la hipótesis de que Ferrara podría haberse originado a partir de dos pequeños asentamientos bizantinos: un conjunto de instalaciones alrededor de la Catedral de San Jorge, en la margen derecha del ramal principal del Po, que entonces corría mucho más cerca de la ciudad que hoy, y un castrum, conjunto fortificado construido en la margen izquierda del río para defenderse de los lombardos. [9]

Ferrara aparece primero en un documento del rey lombardo Desiderius del 753 d.C., cuando capturó la ciudad del Exarcado de Ravenna. [10] Más tarde los francos, después de derrotar a los lombardos, presentaron Ferrara al papado en 754 o 756. [8] En 988 Ferrara fue cedida por la Iglesia a la Casa de Canossa, pero a la muerte de Matilde de Toscana en 1115 se convirtió en una comuna libre. [9] Durante el siglo XII la historia de la ciudad estuvo marcada por la lucha por el poder entre dos familias preeminentes, la Guelph Adelardi y la Ghibelline Salinguerra, sin embargo, en este punto, la poderosa Casa Imperial de Este había puesto su peso decisivo detrás de la Salinguerra y, finalmente, cosecharon los beneficios de la victoria para sí mismos. [9] En 1264 Obizzo II de Este fue proclamado gobernante vitalicio de Ferrara, señor de Módena en 1288 y de Reggio en 1289. Su gobierno marcó el final del período comunal en Ferrara y el comienzo del gobierno de Este, que duró hasta 1598.

Edición moderna temprana

En 1452 Borso de Este fue creado duque de Modena y Reggio por el emperador Federico III y en 1471 duque de Ferrara por el Papa Pablo II. [11] Lionello y, especialmente, Ercole I se encontraban entre los mecenas más importantes de las artes en la Italia de finales del siglo XV y principios del XVI. Durante este tiempo, Ferrara se convirtió en un centro cultural internacional, reconocido por su arquitectura, música, literatura y artes visuales. [12]

La arquitectura de Ferrara se benefició enormemente del genio de Biagio Rossetti, a quien Ercole I solicitó en 1484 que redactara un plan maestro para la expansión de la ciudad. La "Erculean Addition" resultante se considera uno de los ejemplos más importantes de planificación urbana del Renacimiento [13] y contribuyó a la selección de Ferrara como Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

A pesar de haber entrado en su edad de oro, Ferrara fue severamente golpeada por una guerra contra Venecia que se libró y perdió en 1482-1484. Alfonso I sucedió en el trono en 1505 y se casó con la célebre Lucrezia Borgia. Volvió a luchar contra Venecia en las guerras italianas después de unirse a la Liga de Cambrai. En 1509 fue excomulgado por el Papa Julio II, pero pudo vencer a los ejércitos papales y españoles en 1512 en la Batalla de Rávena. Estos éxitos se basaron en la artillería de Ferrara, producida en su propia fundición, que fue la mejor de su época. [14] [15]

A su muerte en 1534, Alfonso I fue sucedido por su hijo Ercole II, cuyo matrimonio en 1528 con la segunda hija de Luis XII, Renée de Francia, trajo gran prestigio a la corte de Ferrara. Bajo su reinado, el Ducado siguió siendo un país próspero y una potencia cultural. Sin embargo, un terremoto golpeó la ciudad en 1570, provocando el colapso de la economía, y cuando el hijo de Ercole II, Alfonso II, murió sin herederos, la Casa de Este perdió Ferrara a los Estados Pontificios.

Tardío moderno y contemporáneo Editar

Ferrara, una ciudad universitaria solo superada por Bolonia, siguió siendo parte de los Estados Pontificios durante casi 300 años, una época marcada por un declive constante en 1792, la población de la ciudad era de solo 27.000 habitantes, menos que en el siglo XVII. [16] En 1805-1814 fue brevemente parte del Reino napoleónico de Italia, un estado cliente del Imperio francés. Después del Congreso de Viena de 1815, Ferrara fue devuelta al Papa, ahora garantizada por el Imperio de Austria. Un bastión fue erigido en el siglo XVII por el Papa Pablo V en el sitio del Castel Tedaldo, un antiguo castillo en el ángulo suroeste de la ciudad, este fue ocupado por una guarnición austriaca desde 1832 hasta 1859. La fortaleza fue completamente desmantelada después el nacimiento del Reino de Italia y los ladrillos se utilizaron para nuevas construcciones en toda la ciudad. [17]

Durante las últimas décadas del siglo XIX y principios del siglo XX, Ferrara siguió siendo un modesto centro comercial para su gran interior rural que dependía de cultivos comerciales como la remolacha azucarera y el cáñamo industrial. Durante décadas se llevaron a cabo grandes obras de recuperación de tierras con el objetivo de ampliar la tierra cultivable disponible y erradicar la malaria de los humedales a lo largo del delta del Po. [18] La industrialización masiva llegó a Ferrara solo a fines de la década de 1930 con la instalación de una planta química por parte del régimen fascista que debería haber suministrado caucho sintético al régimen. [19] Durante la Segunda Guerra Mundial, Ferrara fue bombardeada repetidamente por aviones de combate aliados que atacaron y destruyeron conexiones ferroviarias e instalaciones industriales. Después de la guerra, el área industrial de Pontelagoscuro se amplió para convertirse en un gigantesco compuesto petroquímico operado por Montecatini y otras empresas, que en su apogeo empleaba a 7.000 trabajadores y producía el 20% de los plásticos en Italia. [20] En las últimas décadas, como parte de una tendencia general en Italia y Europa, Ferrara ha llegado a depender más del sector terciario y del turismo, mientras que la industria pesada, todavía presente en la ciudad, se ha eliminado en gran medida.

Después de casi 450 años, otro terremoto golpeó a Ferrara en mayo de 2012, causando solo daños limitados a los edificios históricos de la ciudad y sin víctimas.

La ciudad de Ferrara se encuentra en la orilla sur del río Po, a unos 44 km (27 millas) al noreste de la capital regional, Bolonia, y 87 km (54 millas) al sur de Venecia. El territorio del municipio, que forma parte en su totalidad de la llanura de Padan, es abrumadoramente plano, situado en promedio a solo 9 metros (30 pies) sobre el nivel del mar. [4] La proximidad al río más grande de Italia ha sido una preocupación constante en la historia de Ferrara, que se ha visto afectada por inundaciones recurrentes y desastrosas, la última de las cuales ocurrió en 1951. [21] El Idrovia Ferrarese une el río Po desde Ferrara al Adriático en Porto Garibaldi.

El clima del valle del Po se clasifica como subtropical húmedo (Cfa) según la clasificación climática de Köppen, un tipo de clima comúnmente denominado "continental", que presenta inviernos severos y veranos cálidos y lluvias intensas en primavera y otoño. [22]

El cuerpo legislativo de las comunas italianas es el Ayuntamiento (Consiglio Comunale), que, en municipios de entre 100.000 y 250.000 habitantes, está compuesto por 32 concejales elegidos cada cinco años con un sistema proporcional, contextualmente a las elecciones de alcaldes. El órgano ejecutivo es el Comité de la Ciudad (Giunta Comunale), compuesto por 12 asesores, que es nominado y presidido por un alcalde elegido directamente. El actual alcalde de Ferrara es Alan Fabbri de la Lega Nord. La organización urbana se rige por la Constitución italiana (art. 114), el Estatuto Municipal [23] y varias leyes, en particular el Decreto Legislativo 267/2000 o Texto Unificado de Administración Local (Testo Unico degli Enti Locali). [24]

La división actual de los escaños en el ayuntamiento, después de las elecciones locales de 2019, es la siguiente:

Arquitectura Editar

El imponente Castillo de Este, situado en el mismo centro de la localidad, es emblemático de Ferrara. Una casa señorial muy grande con cuatro bastiones macizos y un foso, fue erigida en 1385 por el arquitecto Bartolino da Novara con la función de proteger la ciudad de amenazas externas y servir como residencia fortificada para la familia Este. [25] Fue ampliamente renovado en los siglos XV y XVI. [25]

La Catedral de San Jorge, diseñada por Wiligelmus y consagrada en 1135, es uno de los mejores ejemplos de arquitectura románica. [26] El duomo ha sido renovado muchas veces a lo largo de los siglos, por lo que su estilo ecléctico resultante es una combinación armoniosa de la estructura central románica y el portal, la parte superior gótica de la fachada y el campanario renacentista. [9] Las esculturas del portal principal se atribuyen a Nicholaus [it]. La parte superior de la fachada principal, con soportales de arcos apuntados, data del siglo XIII. Los leones de mármol tumbados que custodian los portales son copias de los originales, ahora en el museo de la catedral. Un elaborado relieve del siglo XIII que representa el Juicio Final se encuentra en el segundo piso del pórtico. El interior fue restaurado en estilo barroco en 1712. [4] El campanario de mármol atribuido a Leon Battista Alberti [27] se inició en 1412 pero aún está incompleto, falta un piso adicional proyectado y una cúpula, como se puede observar en numerosos históricos grabados y pinturas sobre el tema. [7]

Cerca de la catedral y el castillo también se encuentra el ayuntamiento del siglo XV, que sirvió como residencia anterior de la familia Este, con un grandioso tramo de escaleras de mármol y dos antiguas estatuas de bronce de Niccolò III y Borso de Este. [9]

El distrito sur es el más antiguo de la ciudad, atravesado por una gran cantidad de callejones estrechos que se remontan a la Alta Edad Media. Casa Romei [it] es quizás el edificio medieval mejor conservado de Ferrara. Era la residencia privada del comerciante Giovanni Romei, relacionado por matrimonio con la familia Este, y probablemente obra del arquitecto de la corte Pietrobono Brasavola. [28] Gracias a las monjas de la orden del Corpus Domini, se han salvado muchas de las decoraciones originales de las habitaciones interiores. La casa cuenta con ciclos de frescos en la "Sala delle Sibille" ("sala de las sibilas"), un original terracota chimenea con el escudo de armas de Giovanni Romei en la adyacente Saletta dei Profeti ("sala de los profetas"), que representa alegorías de la Biblia, y en otras salas, algunas de las cuales fueron encargadas por el cardenal Ippolito d'Este, pinturas del escuela de Camillo y Cesare Filippi (siglo XVI). [9]

Palazzo Schifanoia ("sans souci") fue construido en 1385 para Alberto V d'Este. El palazzo incluye frescos que representan la vida de Borso d'Este, los signos del zodíaco y representaciones alegóricas de los meses. El vestíbulo estaba decorado con estuco molduras de Domenico di Paris [it]. El edificio también contiene excelentes libros de coro con miniaturas y una colección de monedas y medallas renacentistas. [4] El Renaissance Palazzo Paradiso, parte del sistema de bibliotecas de la Universidad de Ferrara, muestra parte del manuscrito de Orlando furioso y cartas de Tasso y la tumba de Ludovico Ariosto. Sus alumnos famosos incluyen Nicolaus Copernicus y Paracelso.

El barrio norte, que fue añadido por Ercole I en 1492-1505 gracias al plan maestro de Biagio Rossetti, y por lo tanto llamado el Addizione Erculea, cuenta con varios palacios renacentistas. Entre los mejores se encuentra el Palazzo dei Diamanti (Palacio de diamantes), llamado así por las puntas de diamante en las que se cortan los bloques de piedra de la fachada. los palazzo alberga la Pinacoteca Nacional, con una gran colección de la escuela de Ferrara, que saltó a la fama en la segunda mitad del siglo XV, con Cosimo Tura, Francesco Cossa y Ercole dei Roberti. Entre los maestros destacados de la escuela de Ferrara del siglo XVI se encuentran Lorenzo Costa y Dosso Dossi, los más eminentes de todos, [4] Girolamo da Carpi y Benvenuto Tisi (il Garofalo). [9] El distrito también alberga el Jardín Botánico de la Universidad de Ferrara.

Parques y jardines Editar

La ciudad todavía está rodeada casi en su totalidad por 9 kilómetros (6 millas) de antiguas murallas de ladrillo, en su mayoría construidas entre 1492 y 1520. [9] Hoy las murallas, después de una cuidadosa restauración, forman un gran parque urbano alrededor de la ciudad y son un destino popular para corredores y ciclistas.

En 2007, había 135.369 personas residiendo en Ferrara, de las cuales el 46,8% eran hombres y el 53,2% eran mujeres. Los menores (menores de 18 años) sumaron el 12,28% de la población en comparación con los jubilados que suman el 26,41%. Esto se compara con la media italiana del 18,06% (menores) y el 19,94% (jubilados). La edad media de los residentes de Ferrara es de 49 años en comparación con la media italiana de 42. En los cinco años comprendidos entre 2002 y 2007, la población de Ferrara creció un 2,28%, mientras que Italia en su conjunto creció un 3,85%. [29] La tasa actual de natalidad de Ferrara es de 7,02 nacimientos por cada 1.000 habitantes en comparación con el promedio italiano de 9,45 nacimientos. Ferrara es conocida por ser la ciudad más antigua con una población de más de 100.000 habitantes, así como la ciudad con la tasa de natalidad más baja.

En 2006 [actualización], el 95,59% de la población era italiana. El grupo de inmigrantes más grande fueron otras naciones europeas con Ucrania y Albania: 2.59% seguido por África del Norte: 0.51% y Asia Oriental: 0.39%. La ciudad es predominantemente católica romana, con pequeños seguidores cristianos ortodoxos. La comunidad judía histórica aún sobrevive.

Comunidad judía Editar

La comunidad judía de Ferrara es la única en Emilia Romagna con una presencia continua desde la Edad Media hasta nuestros días. Jugó un papel importante cuando Ferrara disfrutó de su mayor esplendor en los siglos XV y XVI, con el duque Ercole I d'Este. La situación de los judíos se deterioró en 1598, cuando la dinastía Este se trasladó a Módena y la ciudad quedó bajo el control papal. El asentamiento judío, ubicado en tres calles formando un triángulo cerca de la catedral, se convirtió en gueto en 1627. Aparte de algunos años bajo Napoleón y durante la revolución de 1848, el gueto duró hasta la unificación italiana en 1859.

En 1799, la comunidad judía salvó la ciudad del saqueo por parte de las tropas del Sacro Imperio Romano Germánico. Durante la primavera de 1799, la ciudad había caído en manos de la República de Francia, que estableció allí una pequeña guarnición. El 15 de abril, el teniente mariscal de campo Johann von Klenau se acercó a la fortaleza con una modesta fuerza mixta de caballería austriaca, artillería e infantería aumentada por campesinos rebeldes italianos, comandados por el conde Antonio Bardaniand y exigió su capitulación. El comandante se negó. Klenau bloqueó la ciudad, dejando un pequeño grupo de artillería y tropas para continuar el asedio. [31] Durante los siguientes tres días, Klenau patrulló el campo, capturando los puntos estratégicos circundantes de Lagoscuro, Borgoforte y la fortaleza Mirandola. La guarnición sitiada realizó varias salidas desde la Puerta de San Pablo, que fueron rechazadas por los campesinos insurgentes. Los franceses intentaron dos rescates de la fortaleza asediada: el primero, el 24 de abril, cuando una fuerza de 400 modeneses fue rechazada en Mirandola y el segundo, el general Montrichard intentó levantar el bloqueo de la ciudad avanzando con una fuerza de 4.000. Finalmente, a finales de mes, una columna dirigida por Pierre-Augustin Hulin alcanzó y relevó la fortaleza. [32]

Klenau tomó posesión de la ciudad el 21 de mayo y la guarneció con un batallón ligero. Los judíos residentes de Ferrara pagaron 30.000 ducados para evitar el saqueo de la ciudad por parte de las fuerzas de Klenau, que se utilizaron para pagar los salarios de las tropas de Gardani. [33] Aunque Klenau controlaba la ciudad, los franceses todavía poseían la fortaleza de la ciudad. Después de hacer la solicitud estándar de rendición a las 0800, que fue rechazada, Klenau ordenó un bombardeo de morteros y obuses. Luego de que se incendiaran dos cargadores, el comandante fue convocado nuevamente para que se rindiera, hubo cierto retraso, pero se envió una bandera de tregua a las 2100, y la capitulación concluyó a la 0100 del día siguiente. Al tomar posesión de la fortaleza, Klenau encontró 75 nuevas piezas de artillería, además de municiones y provisiones para seis meses. [34]

En 1938, el gobierno fascista de Mussolini instituyó leyes raciales que reintrodujeron la segregación de judíos que duró hasta el final de la ocupación alemana. Durante la Segunda Guerra Mundial, 96 de los 300 judíos de Ferrara fueron deportados a campos de concentración alemanes y cinco sobrevivieron. El escritor judío italiano, Giorgio Bassani, era de Ferrara. Su célebre libro, El jardín de Finzi-Continis, fue publicado en italiano como Giardino dei Finzi-Contini, 1962, por Giulio Einaudi editore s.p.a. Vittorio de Sica la convirtió en película en 1970.

Durante la Segunda Guerra Mundial, el Castillo de Este, adyacente al Corso Roma, ahora conocido como Corso Martiri della Libertà, fue el lugar de una infame masacre en 1943.

El 13 de diciembre de 2017, el primer día de Hanukkah, el Museo del Judaísmo Italiano y la Shoah de Italia se inauguró en el sitio de una prisión de ladrillo de dos pisos restaurada construida en 1912 que contaba con judíos durante el período fascista entre sus detenidos. Esta es la fase inicial de un proyecto, conocido como MEIS, por sus iniciales en italiano, que se completará en 2021, con edificios adicionales que crearán un importante centro cultural judío y agregarán exhibiciones centradas en los judíos en el Renacimiento italiano y la Shoah. . [35] [36]

Arte visual Editar

Durante el Renacimiento la familia Este, conocida por su mecenazgo de las artes, acogió a un gran número de artistas, especialmente pintores, que formaron la llamada Escuela de Ferrara. La asombrosa lista de pintores y artistas incluye los nombres de Andrea Mantegna, Vicino da Ferrara, Giovanni Bellini, Leon Battista Alberti, Pisanello, Piero della Francesca, Battista Dossi, Dosso Dossi, Cosmé Tura, Francesco del Cossa y Tiziano.En los siglos XIX y XX, Ferrara nuevamente acogió e inspiró a numerosos pintores que se encariñaron con su atmósfera inquietante. Entre ellos Giovanni Boldini, Filippo de Pisis y Giorgio de Chirico. Una gran colección de pinturas se exhibe en la Galería Nacional del Palazzo dei Diamanti.

Literatura Editar

Los literatos y poetas del Renacimiento Torquato Tasso (autor de Jerusalén entregada), Ludovico Ariosto (autor del poema épico romántico Orlando Furioso) y Matteo Maria Boiardo (autor del grandioso poema de caballerosidad y romance Orlando Innamorato) vivió y trabajó en la corte de Ferrara durante los siglos XV y XVI.

los Biblia de Ferrara fue una publicación de 1553 de la versión ladina del Tanaj utilizado por los judíos sefardíes. Fue pagado y realizado por Yom-Tob ben Levi Athias (el español Marrano Jerónimo de Vargas, como tipógrafo) y Abraham ben Salomon Usque (el judío portugués Duarte Pinhel, como traductor), y se dedicó a Ercole II d'Este. En el siglo XX, Ferrara fue el hogar y el lugar de trabajo del escritor Giorgio Bassani, conocido por sus novelas que a menudo se adaptaban al cine (El jardín de Finzi-Continis, Larga noche en 1943). En ficción histórica, la autora británica Sarah Dunant estableció su novela de 2009 Sagrados corazones en un convento de Ferrara.

Religión Editar

Ferrara dio a luz a Girolamo Savonarola, el famoso sacerdote dominico medieval y líder de Florencia desde 1494 hasta su ejecución en 1498. Era conocido por la quema de libros, la destrucción de lo que consideraba arte inmoral y la hostilidad al Renacimiento. Predicó con vehemencia contra la corrupción moral de gran parte del clero de la época, y su principal oponente fue el Papa Alejandro VI (Rodrigo Borgia).

Durante el tiempo que Renée de Francia fue duquesa de Ferrara, su corte atrajo a pensadores protestantes como John Calvin y Olympia Fulvia Morata. [37] La ​​corte se volvió hostil hacia los simpatizantes protestantes después del matrimonio de la hija de Renée, Anna d'Este, con el fervientemente católico duque de Guise.

Música Editar

El músico ferrarense Girolamo Frescobaldi fue uno de los compositores más importantes de música para teclados de finales del Renacimiento y principios del Barroco. Su obra maestra Fiori musicali (Flores Musicales) es una colección de música litúrgica para órgano publicada por primera vez en 1635. Se convirtió en la más famosa de las obras de Frescobaldi y fue estudiada siglos después de su muerte por numerosos compositores, entre ellos Johann Sebastian Bach. [38] [39] Se cree que Maurizio Moro (15 ?? - 16 ??), poeta italiano del siglo XVI más conocido por los madrigales, nació en Ferrara.

Cine Editar

Ferrara es el lugar de nacimiento de los directores de cine italianos Michelangelo Antonioni y Florestano Vancini. Este último rodó en Ferrara su película de 1960 Larga noche en 1943. La ciudad también fue el escenario de la famosa película de 1970. El jardín de Finzi-Continis de Vittorio De Sica, que narra las vicisitudes de una rica familia judía durante la dictadura de Benito Mussolini y la Segunda Guerra Mundial. Además, Wim Wenders y Michelangelo Antonioni Mas alla de las nubes en (1995) y Ermanno Olmi La Profesión de las Armas en (2001), una película sobre los últimos días de Giovanni dalle Bande Nere, también se rodaron en Ferrara.

Festivales Editar

El Palio of St. George es una carrera de caballos de temática medieval que se celebra el último domingo de mayo. Establecido en 1279, es probablemente el concurso de este tipo más antiguo del mundo. [40] [41] El Ferrara Buskers Festival es un desfile no competitivo de músicos callejeros de todo el mundo. En la edición de 2017, participaron en el festival más de 1.000 artistas de 35 naciones diferentes, entre bailarines, payasos, equilibristas, malabaristas y otros artistas originales. [42] Además, la ciudad alberga el Festival anual de globos de Ferrara, un gran espectáculo de globos aerostáticos. [43]

Deporte Editar

El equipo de fútbol de la ciudad, SPAL, se estableció en 1907. En 2017 fue ascendido a la Serie A, la liga de fútbol de primer nivel de Italia, después de una ausencia de 49 años. Su estadio es el Paolo Mazza Memorial Stadium, con una capacidad de 16.134 personas. [44]

El equipo de baloncesto de Ferrara, Kleb Basket Ferrara, compite en la Serie A2 Basket y juega sus partidos en casa en el Palasport di Ferrara.

Cocina Editar

La tradición culinaria de Ferrara presenta muchos platos típicos que se remontan a la Edad Media, y que a veces revela la influencia de su importante comunidad judía.

El plato estrella es cappellacci di zucca, ravioles especiales con relleno de calabaza, Parmigiano-Reggiano y aromatizados con nuez moscada. Se sirve con una salsa de mantequilla y salvia o salsa boloñesa. Otro plato peculiar, que supuestamente fue cocinado por el chef renacentista Cristoforo di Messisbugo, es pasticcio di maccheroni, un pastel de macarrones con forma de cúpula, que consiste en una costra de masa dulce que encierra macarrones en salsa bechamel, salpicado de hongos porcini y ragù alla boloñesa.

El primer plato tradicional de Navidad son los cappelletti, ravioles grandes rellenos de carne y queso servidos en caldo de pollo. A menudo es seguido por salama da sugo, un embutido muy grande elaborado con una selección de carnes de cerdo y especias amasadas con vino tinto.

Los mariscos también son una parte importante de la tradición local, que cuenta con una rica pesca en las lagunas del delta del Po y el mar Adriático. Son especialmente conocidas las pastas con almejas y los platos de anguila a la plancha o guisados. Los alimentos populares incluyen también zia salami de ajo y el pan tradicional de coppia, protegido por la etiqueta IGP (Protected Geographical Status). [48] ​​No es inusual el típico salami kosher hecho de carne de ganso rellena de piel de cuello de ganso.

La pastelería local incluye pastel de chocolate pampepato picante, tenerina, un bizcocho de chocolate amargo y mantequilla, y zuppa inglese, un pudín de chocolate y natillas sobre un lecho de bizcocho empapado en Alchermes. El terruño arcilloso de la zona, una llanura aluvial creada por el río Po, no es ideal para el vino, una notable excepción es el vino Bosco Eliceo (DOC), elaborado con uvas cultivadas en la costa arenosa. [49]


Batalla del lago Vadimo (9691)

El primero Batalla del lago Vadimo Se libró en 310 a. C. entre Roma y los etruscos, y terminó siendo la batalla más grande entre estas naciones. Los romanos salieron victoriosos, ganando tierras e influencia en la región. Los etruscos sufrieron grandes pérdidas en la batalla y nunca más recuperarían su gloria anterior. & # 911 & # 93

Los etruscos, superando en número a los romanos por unos pocos cientos, los enfrentaron cerca del lago y los envolvieron en una prolongada pelea de infantería. Ambos bandos lucharon a muerte y se convocó a los reservistas de ambos bandos. Continuaron los combates más intensos a lo largo del día. Por la tarde ambos bandos se quedaron sin reservas, por lo que no pudieron cambiar sus tropas exhaustas. Se ordenó a la caballería romana que desmontara y cargó contra los etruscos, derrotando a su infantería cansada y maltrecha. Al final del día, los etruscos fueron aniquilados y el poder militar romano en la zona estaba asegurado.


Fundación de Roma

"No puede haber nadie tan mezquino o tan apático en su perspectiva que no desee descubrir por qué medios y bajo qué sistema de gobierno lograron los romanos. Poner bajo su dominio casi todo el mundo habitado".
_ Polibio (Historias 1.1.5)

Mucho de lo que sabemos hoy sobre los fundamentos históricos de Roma nos viene de escritores antiguos como Livio y Herodoto, junto con los hallazgos de la arqueología. La historia temprana de Roma, tan profundamente arraigada en la leyenda y la mitología, es una mezcla de hechos, ficción, conjeturas fundamentadas y nociones establecidas sobre las condiciones del antiguo mundo mediterráneo.

La evidencia más temprana de presencia humana en la región del Lacio, que incluía la ciudad de Roma, data de la Edad del Bronce (c.1500 a. C.), pero los asentamientos más antiguos establecidos y permanentes comenzaron a formarse en el siglo VIII a. C. En ese momento la arqueología indica dos pueblos estrechamente relacionados en el área, los latinos y los sabinos. Estos pueblos itálicos agrarios eran de origen tribal, con una jerarquía social que dominó la primera forma de gobierno de Roma y durante todo su reclamo de poder en la región.

La fecha de fundación como aldea o serie de territorios tribales es incierta, pero la fundación tradicional y legendaria de la ciudad se remonta al 753 a. C. Aunque esta fecha está muy cargada de mitos, al menos está respaldada de manera aproximada por evidencia arqueológica. Fue en el siglo VIII a.C. cuando dos asentamientos existentes, uno en el Palatino y otro en el Quirinal, se combinaron para formar un solo pueblo, correspondiente a las mismas fechas que la leyenda.

Según la leyenda, los romanos remontan sus orígenes a Eneas, un troyano que escapó del saqueo de Troya huyendo a Italia. El hijo de Eneas, Iulius (comúnmente Julio) fundó la ciudad de Alba Longa estableciendo una monarquía. Dos descendientes de los Reyes Alba Longa, los hermanos gemelos Rómulo y Remo, se convertirían en los fundadores de Roma. Finalmente, los dos hermanos se pelearon y resultaron en el asesinato de Remo, dejando a Romulus como el primer rey de Roma. La fecha tradicional del reinado único de Rómulo y la posterior fundación de la ciudad, el 21 de abril de 753 a. C., todavía se celebra con festivales y desfiles en la actualidad.

El desarrollo continuo de la ciudad fue influenciado en gran medida por los vecinos del norte de Roma, los etruscos. Los etruscos, amenazados por el creciente poder e influencia de la ciudad latina al sur, pronto suplantarían a Rómulo y los posteriores Latin Kings por sus propios reyes.


Ciudades-estado etruscas

Los etruscos vivían en un grupo disperso de asentamientos en la cima de las colinas y otras aldeas que compartían un idioma común que no era el latín. Se conocen alrededor de 30 de diferentes tamaños.

Es posible que doce se hayan reunido en una Liga de Ciudades Etruscas. Cuál doce no está tan claro.

En los tiempos modernos, Roma en sus primeros días se caracteriza como "etrusca" porque un grupo de reyes etruscos puede haber gobernado allí. Ciertamente, trajeron la ingeniería y el arte etruscos a la Roma primitiva: el sistema de alcantarillado gigante conocido como Cloaca Maxima, y ​​un templo de más de 65 yardas de largo en la cima de la colina Capitolina.

Las ciudades etruscas muestran cierto grado de planificación urbana central. Las calles están dispuestas en patrones de cuadrícula de norte a sur. Los etruscos construyeron suministros de agua confiables y cubrieron desagües. Los santuarios y templos se habrían colocado en la acrópolis de una ciudad. Aquí termina la influencia de la ciudad griega: los etruscos no tenían un lugar de reunión público como una plaza o un ágora. Tampoco tenían democracia.

Una "ciudad-estado" etrusca no era grande, pero era más que una aldea. Por lo general, incluía un interior de pueblos y aldeas periféricas además de su núcleo urbano.


Escultura de los siglos XVIII y XIX

La historia de la escultura de los siglos XVIII y XIX es un área enorme que abarca varios países y una multitud de técnicas y procesos que a veces son difíciles de abordar para los profesores, especialmente si la escultura no está en su área de especialización. En este plan de lección, he seleccionado los escultores más destacados y más discutidos, y he intentado elegir al menos un ejemplo escultórico de cada estilo importante de los siglos en cuestión (rococó, neoclasicismo, romanticismo, realismo, impresionismo y simbolismo). ). Los trabajos también se pueden presentar a través de un enfoque temático, ya que las selecciones se pueden utilizar para tratar temas como clase social política poder versus subyugación esclavitud imagenes del cuerpo desnudez y dominación del campo masculino en el ámbito de la escultura.

Una forma de iniciar la discusión antes de comenzar la conferencia podría ser preguntar a los estudiantes qué saben ya sobre escultura. Si han estudiado arte antiguo, podrían recordar términos como contrapposto método de fundición a la cera perdida policromía escultura en relieve en la talla redonda versus fundición e idealismo versus realismo (r pequeña, como en "realista"). Otra posibilidad sería que los estudiantes comparen y contrasten dos esculturas, incluida una que quizás ya conozcan por su estudio del mundo antiguo (por ejemplo, Augusto de Prima Porta) con una de las esculturas neoclásicas de esta lección (por ejemplo, la de Houdon George Washington). Otras comparaciones para iniciar una conversación podrían ser comparar, por ejemplo, la de Praxiteles Hermes con el infante Dionysos con Clodion's La intoxicación del vino El etrusco Pareja reclinada sobre un sarcófago de Cerveteri con Canova's Paulina Borghese como Venus Victrix o, más adelante en la lección, dos obras muy contemporáneas como Powers's Esclavo griego con Hosmer's Zenobia encadenada. He sugerido otros temas de discusión al final de este documento.

También se podría preguntar si los estudiantes sienten que se ha prestado o se le ha prestado más atención a la pintura en los libros de texto y las presentaciones de los museos que a la escultura, o si esto parece cambiar con el tiempo y por qué razones. Esto podría abrir la discusión sobre cuántas pinturas no sobreviven del mundo antiguo o cómo la escultura se usó tradicional y principalmente como elemento decorativo en estructuras arquitectónicas. Una discusión intrigante podría abarcar cómo y cuándo la escultura puede haber comenzado a separarse de la arquitectura y ser capaz de mantenerse aislada como una forma única y separada de bellas artes. Esto puede llevar la conversación demasiado atrás, pero muchos estudiosos de la escultura creen que la escultura grupal Ekkehard y Uta en la catedral de Naumberg en Alemania (c. 1249-1255) tiene la cualidad emocional y el poder individualizado de la escultura más moderna, aunque el grupo permanece todavía algo unido a las columnas detrás de él Donatello es un primer protagonista posterior, pero más obvio, de la historia de la escultura de tamaño natural, independiente, no basada en la arquitectura, especialmente en su uso del bronce, fue seguido por Miguel Ángel y Bernini, quienes dominaron los medios del mármol. Puede ser útil utilizar esculturas que los estudiantes ya conozcan para facilitarles una discusión sobre esculturas posteriores y más modernas.

Lecturas de antecedentes

Jean-Antoine Houdon, George Washington, 1788–92.

Para un esquema general de las obras de los principales escultores y temas dentro de la escultura del período aquí discutido, ver George Duby y Jean-Luc Daval, eds., Escultura: del Renacimiento a la actualidad (Hong Kong: Taschen, 2006).

Para la escultura de la era victoriana y excelentes entradas sobre Powers y Hosmer, consulte Martina Droth, Jason Edwards y Michael Hatt, eds., Escultura victoriosa: arte en una época de inventos, 1837-1901 (New Haven y Londres: Yale Centre for British Art y Yale University Press, 2014).

Para obtener una guía básica pero útil de las técnicas y cualidades formales de la escultura de la historia del arte, consulte Herbert George, Los elementos de la escultura: una guía para el espectador (Londres: Phaidon, 2014).

Recursos web:

Como el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York tiene ejemplos de obras de arte de los doce artistas seleccionados para esta lección, su sitio web en www.metmuseum.org y su Línea de tiempo de la historia del arte en www.metmuseum.org/toah son recursos excelentes.

Podría ser útil mostrar uno o dos videos sobre la fabricación y los procesos de escultura, ya que los estudiantes a veces confunden cómo se tallan las canicas versus cómo se moldean los bronces. Además, cuando los estudiantes son testigos de la dificultad (y, con la fundición de bronce, el peligro) de realizar esculturas con técnicas tradicionales, tienden a apreciar más las obras de arte. Hay muchos videos para elegir, pero los particularmente buenos incluyen:

  • La fabricación de una escultura de mármol, YouTube
  • Técnica de fundición de bronce de Adriaen de Vries: método directo de cera perdida, YouTube (Museo Getty)
  • Fundición de bronce: método indirecto de cera perdida, YouTube (Museo Getty)

Sugerencias de contenido

Nota: A lo largo de la siguiente sección, las sugerencias marcadas con un asterisco u otro símbolo están vinculadas a ideas de tareas en el Al final de la clase sección siguiente.

Alcance de la conferencia:

Al revisar algunos de los libros de texto de encuestas de historia del arte más comunes actualmente en uso, seleccioné doce escultores que aparecen con mayor frecuencia en dichos textos. También intenté centrarme en las obras de estos doce escultores donde se podía encontrar material en Internet sobre los artistas y sus obras en inglés y obras que formaban parte de las principales colecciones de museos. En el Al final de la clase En la sección siguiente, sugiero algunos artistas y obras de arte adicionales que podrían agregarse a esta lección si el tiempo y / o el interés en el tema lo permiten. La obra más contundente del período en cuestión se produjo en Francia, por lo que la lección se centra principalmente en la escultura francesa. Sin embargo, no se puede omitir al italiano Antonio Canova, ya que su reputación e influencia fluyeron por todas partes, y las obras de arte de los estadounidenses Hiram Powers, Harriet Hosmer y Augustus Saint-Gaudens son cruciales para comprender la influencia cruzada entre Europa y Europa. Estados Unidos en el momento en que se hicieron las esculturas.

Este material se puede explorar en una hora y quince minutos a través de una variedad de ejemplos, incluso:

  • Clodion, La intoxicación del vino, C. 1780–90
  • Jean-Antoine Houdon, George Washington, C. 1788–92
  • Antonio Canova, Pauline Borghese como Venus Victrix, 1808
  • François Rude, Salida de los voluntarios (La Marsellesa), 1836
  • Poderes de Hiram, Esclavo griego, 1844
  • Harriet Hosmer, Zenobia encadenada, 1862
  • Jean-Baptiste Carpeaux, El baile, 1865–9
  • Auguste Rodin, La Edad de Bronce, 1876
  • Camille Claudel, El vals, 1889­–90
  • Edgar Degas, La pequeña bailarina de catorce años, 1880
  • Jules Dalou, El gran campesino, 1898–1902
  • Augustus Saint-Gaudens, Monumento a Adams, 1886–91

Escultura arquitectónica: escultura ligada a la arquitectura como base.

Escultura aditiva: escultura creada construyendo o modelando (p. ej., con arcilla) en lugar de quitar material de una fuente más grande (p. ej., cincelando mármol).

Base: el soporte de una escultura.

Emitir: para formar una forma tridimensional vertiendo materiales (por ejemplo, metal fundido, yeso líquido o plástico) en un molde o algo formado por este medio. Cast también puede referirse a una impresión formada en un molde o matriz. [Definición del ArtLex Art Dictionary]

Persecución: el proceso de acabado y refinamiento de la superficie de un objeto de metal abollando en lugar de grabarlo con herramientas de acero como trazadores, ciselet, punzones y herramientas de matizado. Se puede realizar una persecución para eliminar las imperfecciones y los puntos ásperos en una fundición de bronce que necesariamente se forman en el proceso de fundición. La persecución también se puede hacer para adornar superficies metálicas gofándolas o ahuecando con herramientas. [ArtLex]

Método de fundición "Cire-perdue" / cera perdida: un proceso de fundición para el cual un escultor debe producir primero su escultura en cera y luego crear un molde alrededor de esta hecha de materiales refractarios.Cuando se calienta el molde, la cera se derrite para que el metal fundido pueda reemplazarlo, reproduciendo exactamente la escultura de cera original. [ArtLex]

Escultura redonda: para ser visto desde todos los lados independiente del opuesto al relieve. Cuando se habla de escultura, la escultura circular está rodeada por todos lados por el espacio. [ArtLex]

Reparto de vida: hacer un molde del cuerpo humano en lugar de esculpir a partir de un modelo.

Maqueta: una pequeña escultura realizada como estudio preparatorio o modelo para una obra a escala real. [ArtLex]

Técnica mixta: contiene varios materiales en una obra de arte.

Pátina: un brillo o coloración en cualquier superficie, ya sea involuntaria y producida por la edad o intencionada y producida por simulación o estimulación, que significa la edad del objeto. Los objetos de bronce a menudo desarrollan una pátina verde. [ArtLex]

Alivio (alto / bajo / hundido): un tipo de escultura en la que la forma se proyecta desde un fondo. Hay tres grados o tipos de relieve: alto, bajo y hundido. En alto relieve, las formas sobresalen del fondo. En bajo relieve (también conocido como bajorrelieve), son poco profundos. En el relieve hundido, también llamado hueco o huecograbado, los fondos no se recortan y los puntos en el relieve más alto están nivelados con la superficie original del material que se está tallando. [ArtLex]

Método de fundición en arena: método de fundición en metal en el que se hace un molde empaquetando firmemente capas de arena húmeda muy fina alrededor de una escultura. Cuando se retira el original, se deja una impresión exacta en la arena. [ArtLex]

Escultura sustractiva: escultura creada quitando material de una fuente más grande (por ejemplo, cincelando mármol) en lugar de construir o modelar (por ejemplo, con arcilla).

Las características lúdicas y eróticas del estilo rococó se ejemplifican mejor en las esculturas de terracota a pequeña escala de Claude Michel, el artista conocido como Clodion (1738-1814). Esculturas como La intoxicación del vino (c. 1780-1790) fueron típicos de su obra y muestran su delicado y hábil manejo de la arcilla. Las esculturas de terracota fueron muy populares entre los coleccionistas de arte en el siglo XVIII por varias razones. Una es que eran pequeños y apropiados para exhibirlos en un hogar o estudio. Otra es que se consideró que estaban más cerca de la intención y la inspiración originales del artista que las obras que se tradujeron de arcilla a piedra o metal. También eran a menudo menos costosas que las obras de mármol y bronce que requerían más tiempo y mano de obra. En la década de 1780, el estilo rococó había caído en desgracia en Francia, debido a la reacción contra las obras de arte que carecían de un mensaje moral o una referencia al arte antiguo y a la temática, sin embargo, Clodion continuó teniendo éxito con sus esculturas de mesa. Posteriormente adaptó el estilo neoclásico a su obra. Clodion habría trabajado esta escultura sobre una mesa de caballete, es decir, una mesa especial que tiene una tapa ajustable que puede girar. Esta pequeña escultura redonda fue pulida por todos lados y evoca una poderosa sensación de movimiento y dinamismo que fue muy apreciada por los espectadores. La intoxicación del vino es la primera de varias obras con carga sexual en esta lección, y algunas, como ésta y la de Carpeaux El baile, fueron concebidos bajo la apariencia de un pretexto mitológico.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828) fue un escultor neoclásico francés que se formó en la Real Academia de Francia y ganó el prestigioso Prix-de-Rome en 1764. Se especializó en bustos y figuras de cuerpo entero de importantes figuras de la Ilustración contemporánea. Debido a la amabilidad diplomática de Francia y Estados Unidos durante esos años, recibió muchos encargos de retratos de políticos estadounidenses, incluidos Benjamin Franklin y Thomas Jefferson. Su estatua de George Washington, realizado entre 1788 y 1792, fue encargado por la Legislatura del Estado de Virginia para ser colocado en su casa estatal. La escultura está repleta de referencias clásicas, incluida la reja del arado, una referencia al antiguo soldado romano Cincinnatus que, como Washington, regresó a su granja después de sus grandes victorias militares en lugar de buscar un mayor poder político. El antiguo símbolo de la fasces, o paquete de varillas encuadernado, también se incluye. los fasces es un antiguo símbolo etrusco de fuerza a través de la unidad y el poder colectivo. Houdon incluyó trece varillas en este paquete para representar las trece colonias. Washington está vestido con ropa contemporánea y adaptó con éxito una figura contemporánea a un concepto repleto de símbolos políticos antiguos. * Aquí se pueden discutir con los estudiantes cuestiones de poder y heroísmo.

Entre los contemporáneos de Houdon, el escultor neoclásico más conocido y venerado internacionalmente a principios del siglo XIX fue el italiano Antonio Canova (1757-1822). Creó tanto monumentos públicos a gran escala como esculturas para patrocinadores privados. Además de tener numerosos mecenas en su país de origen, estuvo lo más cerca que se podría llegar a ser un escultor de la “corte” de Napoleón I de Francia. Canova también trabajó en encargos para muchos miembros de la familia imperial, y su obra más conocida es un retrato "disfrazado" de la hermana de Napoleón, titulado Pauline Borghese como Venus Victrix, de 1808. Si bien el rostro de Borghese está idealizado, los pliegues de la carne del estómago son más naturales, y es posible que ella haya posado personalmente para Canova desnuda. Borghese sostiene la manzana de Venus, símbolo de la victoria de la diosa como la diosa más bella después de que fue elegida como tal por el mortal Paris. Al esposo de Borghese, Camillo, no le gustó la escultura, ya que parecía confirmar los rumores de que su esposa era promiscua. Por lo tanto, se colocó en una habitación privada en la Villa Borghese, donde se mostró solo a sus invitados íntimos, a menudo a la luz de las velas. Canova utilizó mármoles de diferentes colores y dorados en el trabajo en referencia a la escultura romana antigua, pero la escultura también fue muy innovadora, ya que contenía un motor que le permitía girar para el espectador. Canova desafió así las antiguas quejas de que la escultura era estática y rígida y que un espectador tenía que caminar alrededor de una escultura para experimentarla por completo. Después de la caída de Napoleón, Canova negoció la devolución de las obras de arte saqueadas de Italia por Francia. **

Después de los levantamientos de 1830 en Francia, el estilo del romanticismo alcanzó su punto más alto de su popularidad El ejemplo más conocido de escultura romántica de Francia es el Salida de los voluntarios (La Marsellesa), un alto relieve ubicado en el Arco del Triunfo en París, completado en 1836 por François Rude (1784-1855). La escena representa una versión romántica de la Batalla de Valmy, en la que soldados voluntarios franceses defendieron la Primera República contra las fuerzas austro-prusianas. Históricamente, algunos de los miembros de la familia de Rude formaban parte del ejército de voluntarios. Tiempo La Marsellesa contiene todo el drama, la emoción y el movimiento característicos del romanticismo, Rude también hace referencias al atuendo militar clásico y coloca una figura alegórica de la Libertad sobre las figuras. [Nota: tenga cuidado con las comparaciones con Nike alada de Samotracia en el Louvre mientras Smarthistory hace esta comparación, Rude no podría haber sabido de este específico Nike, porque murió en 1855, y la escultura helenística no se redescubrió hasta 1863]. El título hace referencia al himno nacional francés, cuyas palabras fueron escritas el mismo año que la batalla (1792) por Claude Joseph Rouget de Lisle el Hector Berlioz puso música a las palabras en 1830. Además, Eugmila pintura de ne Delacroix Libertad guiando a la gente, mostrado en el Salón de 1831, habría sido una inspiración directa para Rude. ***

Ciertamente, la escultura estadounidense más famosa, más viajada y reproducida fue la Esclavo griego (1844) de Hiram Powers (1805–73). Típica de muchas obras de arte neoclásicas, la escultura comentaba el presente haciendo referencia a un evento pasado. La escultura de Powers representa a una joven cristiana griega capturada por los turcos durante la Guerra de Independencia de Grecia (1821-1832). Si bien Powers no tenía la intención de que la escultura fuera un comentario sobre la cuestión de la esclavitud en los Estados Unidos, muchos críticos contemporáneos la vieron como tal. Cuando la desnudez de la figura desafió la sensibilidad puritana de los Estados Unidos, una pequeña cruz, un folleto adjunto escrito por un reverendo y el uso de mármol blanco puro establecieron la lectura de la niña como pura. La escultura fue ampliamente conocida porque se mostró en las Exposiciones Universales de Londres (1845 y 1851) y París (1855), y recorrió muchas ciudades de los EE. UU. Se hicieron finalmente seis versiones de la escultura a gran escala. Se debe recordar a los estudiantes que el estilo neoclásico persistió en los EE. UU. (Aquí, hasta la década de 1840) mucho después de que fue eclipsado por otros estilos, particularmente en Francia. ‡

Harriet Hosmer Zenobia encadenada se mostró cerca de Powers ’ Esclavo griego en Londres en 1862. Hosmer (1830-1908) estudió con el escultor neoclásico galés John Gibson después de establecerse en Roma de 1852 a 1853. Su escultura más famosa es Zenobia encadenada, que representa a la reina del Imperio Palmireno, que se muestra aquí cuando fue obligada a marchar por las calles de Roma como prisionera después de la derrota de su ejército en 272 EC por el emperador romano Aureliano. Mientras que Hosmer tendía a centrarse en el trauma o la muerte de sus mujeres, se muestra que Zenobia acepta su destino con valentía. Aunque Hosmer podría haber estado comentando sobre la esclavitud estadounidense, la historia indica que es más probable que se refiera a la lucha contemporánea por la unificación en Italia. Hubo pocas interpretaciones visuales previas del tema, por lo que Hosmer basó su Zenobia en fuentes literarias y un libro contemporáneo titulado Soberanas femeninas celebradas (1831) de Anna Jameson. Las esculturas que Hosmer vio en los Museos Vaticanos en Roma pueden haber proporcionado fuentes adicionales para la figura (por ejemplo, el Athena Giustiniani y el Barbarini Juno). Debido a su género, Hosmer fue acusada de no producir sus propias canicas. En respuesta a las críticas a su uso de asistentes, publicó el ensayo "El proceso de la escultura" (1864) en Atlántico mensual, ahora un texto estándar en la historia de la escultura del siglo XIX. Discute, en parte, la desigualdad entre hombres y mujeres que trabajan en el campo de la escultura.

El alumno más exitoso de François Rude fue Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), más conocido por su grupo en alto relieve para la fachada de la Ópera de París titulado El baile (1865-189). En esta obra, una personificación alada de la Danza está rodeada por seis o más mujeres desnudas representadas de manera realista. La escultura rebosa de energía erótica y los críticos desaprueban los cuerpos no idealizados de los bailarines y la elección de un tema sexualizado e “indecente” para una escultura arquitectónica. El 26 o 27 de agosto de 1869, un vándalo arrojó un bote de tinta a la escultura y manchó la cadera de la bacante de la izquierda y parte del área circundante. La escultura fue limpiada cinco días después por un químico. De hecho, el grupo escultórico causó tanta indignación que estaba programado para ser eliminado y reemplazado; sin embargo, el inicio de la guerra franco-prusiana hizo que la discusión sobre la escultura fuera menos importante y dos años más tarde se olvidó la idea de reemplazar al grupo. Dado que Carpeaux y su esposa financiaron los gastos excedentes de la producción de la escultura, Carpeaux produjo y vendió versiones a escala reducida de la figura central del genio para tratar de recuperar parte del dinero. Podría ser interesante ver si los estudiantes considerarían esta escultura controvertida hoy y, de no ser así, hasta dónde podría llegar un artista hoy en día al representar sujetos sexualizados en público. Una discusión sobre el cuerpo y la desnudez también funcionaría aquí, especialmente en términos de lo que se considera "aceptable" en la escultura pública. Si creen que la desnudez en el arte público es ahora "aceptable", uno podría mencionar el tema de Marc Quinn. Alison Lapper Embarazada (1999), que provocó cierta reacción contra la desnudez en público cuando se exhibió en Trafalgar Square en 2005. ‡‡

Auguste Rodin (1840-1917) se considera hoy como el escultor más destacado de principios de siglo. Como simbolista, Rodin a menudo se ocupaba de los pensamientos, emociones y sensaciones evocados por sus esculturas de una manera intelectual y menos obvia que la encontrada en las obras románticas de principios de siglo.En 1875, Rodin visitó Italia por primera vez y las obras de Miguel Ángel en Florencia y Roma lo inspiraron, él también habría estado familiarizado con la obra de Miguel Ángel Morir esclavo y Esclavo rebelde en el Museo del Louvre de París. Su primera figura de tamaño natural fue su escultura conocida como La Edad de Bronce. Tiene similitudes formales con la de Miguel Ángel. Morir esclavo, y fue creado en 1876 para ser exhibido en el Salón de 1877. El título original de la obra era Le Vaincu (Los vencidos), y otros títulos incluidos L’Age d’airain (airain es sinónimo de bronce, pero también podría referirse a latón o hierro) y El despertar de la humanidad. Estos títulos hacen referencia al partido derrotado de una guerra y a los metales utilizados en la fabricación de las primeras armas utilizadas para matar personas. El de tamaño natural Edad de Bronce, esculpido usando un ex soldado en la guerra franco-prusiana como modelo, era tan realista para los espectadores que Rodin fue acusado de hacer un "molde de vida", o un molde en yeso tomado directamente de un modelo vivo. Si bien los moldes de vida se utilizan con frecuencia hoy en día sin problemas, en el siglo XIX, el proceso de lanzamiento de vida se consideraba una forma de trampa. Varios escultores académicos establecidos salieron en defensa de Rodin y, finalmente, se compró una versión de bronce para el estado. Se podría instar a los estudiantes a discutir si sienten que el casting de la vida fue de hecho una forma de hacer trampa, o si fue simplemente un paso en el proceso de realización de un concepto artístico. El tema del cuerpo y la desnudez también se puede mencionar aquí. En este caso, Edad de Bronce no fue diseñado para exhibirse en un parque, calle, cementerio o como parte de un edificio. En cambio, el problema aquí estaba relacionado con la posibilidad de que Rodin tomara un yeso de un cuerpo real. Por lo tanto, la gente estaba viendo un cuerpo "real", en contraposición a la interpretación del artista del cuerpo de un modelo. Se podría pedir a los estudiantes que discutan cuestiones de interpretaciones naturalistas frente a interpretaciones idealistas en el período moderno.

Porque el École des beaux-arts en París no aceptaba alumnas, Camille Claudel (1864-1943) estudió escultura con Alfred Boucher en la Académie Colorossi. Trabajó en el estudio de Rodin a partir de 1884. Debido a su relación, desafortunadamente su trabajo se compara con demasiada frecuencia con el de él. Es mejor evitar tales comparaciones y enfocarse en su trabajo como avanzado e individual. A menudo se describía a Claudel como la alumna de Rodin, lo que limitaba su capacidad para avanzar en su carrera. También pasó treinta años de su vida en una institución psiquiátrica sin embargo, no es útil ni necesario presentarla como víctima. En su lugar, discuta su uso de materiales excepcionales, como el jade, el ónix y la electricidad (en forma de luces eléctricas), y su mezcla de ellos en obras específicas, las cuales fueron muy innovadoras para la época. Una de sus obras más conocidas es la escultura titulada El vals, que se inició c. 1889-1890 y se produjo en muchas versiones hasta 1905. Existía en yeso, bronce, bronce dorado y una versión de gres oxidado ahora perdido. Al igual que con la escultura de Carpeaux discutida anteriormente, el tema de la danza estaba lleno de connotaciones sexuales, esto fue especialmente cierto en este grupo de Claudel, en el que ambas figuras estaban originalmente desnudas. En ese momento, el tema de la danza y la desnudez de las figuras se consideraban temas inapropiados para que una artista femenina los emprendiera. Agregó el cortinaje en forma de falda a la figura femenina para satisfacer una solicitud del Ministro de Bellas Artes con la esperanza de que su encargo de una versión de mármol para el estado no fuera revocado. Ella vio el doble rasero en esto, ya que la mayoría de las esculturas de desnudos hechas por artistas masculinos no fueron rechazadas por el estado. Pudo conservar el encargo, pero nunca completó el mármol. Las cifras en El vals se entrelazan y, como muchas de sus esculturas, están llenas de movimiento, líneas sinuosas y gracia. Comenzó Claudel El vals en 1888, año en que conoció al compositor Claude Debussy. Debussy recibió un elenco de El vals que guardaba en su repisa de la chimenea, y su música pudo haber sido una fuente para el tema de la escultura. Muchos simbolistas eligieron el tema de la danza como una representación del movimiento de uno a través de la vida (por ejemplo, Edvard Munch Danza de la vida desde 1899).

Si bien Edgar Degas (1834-1917) se asocia normalmente con el movimiento impresionista, su escultura titulada La pequeña bailarina de catorce años (1880) parece más relacionado con el realismo. Como escultores antes que él, Degas estaba interesado en el movimiento de figuras en el espacio en sus esculturas. Un joven estudiante de baile de la Ópera de París (modelado por Marie van Goethem) se encuentra en la cuarta posición del ballet ante el espectador. La versión en cera original de esta escultura, completa con una peluca, una cinta de seda para el cabello, corpiño, tutú y pantuflas, se exhibió en la sexta exposición impresionista en 1881. Este uso de técnicas mixtas era un concepto muy moderno, pero espectadores y críticos lo criticó, comparándolo con un muñeco vudú y comparándolo con los dibujos del artista de un criminal y con ideas de degeneración humana, lo que llevó a Degas a retirarlo de la exposición antes de tiempo. Ninguna de sus otras esculturas se exhibió durante su vida, y todos los moldes de bronce de su obra se hicieron después de su muerte. Su obra escultórica se entiende ahora como vanguardista, y la escultura es una de las esculturas más conocidas y queridas del siglo XIX. Actualmente hay veintiocho moldes de bronce conocidos de esta escultura en museos de todo el mundo.

Después de la muerte del pintor Gustave Courbet (1819-1877), el estilo del realismo continuó con fuerza en el ámbito de la escultura. Imágenes de personas de la clase trabajadora involucradas en su labor, por lo general extenuante, fueron el tema de estos trabajos. El gran campesino (1898-1902) de Jules Dalou (1838-1902) es un excelente ejemplo de realismo en escultura. En lugar de mostrar una figura masculina idealizada y perfectamente constituida, Dalou nos presenta a un trabajador de aspecto cansado pero digno. Este trabajo podría haber sido colocado en la parte superior de Dalou Monumento al Trabajo, iniciado en 1889 pero nunca terminado.Solo se completó la figura del campesino a tamaño natural el resto del monumento solo existe en pequeñas maquetas y estudios. Sin embargo, la escultura también puede haber sido concebida como una obra independiente del monumento. Se mostró en el Salón de la Société nationale des beaux-arts en 1902 en honor a Dalou, que había fallecido recientemente. El heroísmo del hombre común comenzaba a afianzarse en este período. Una comparación con La pequeña bailarina de catorce años Ayudará a los estudiantes a visualizar la imagen del trabajador común y la presentación de diferentes clases sociales (los trabajadores versus para quién están trabajando), y una comparación de El gran campesino con una imagen de una figura heroica más tradicional, como la de Houdon George Washington, sin duda suscitaría una discusión interesante sobre monumentos y representaciones del heroísmo.

Las comisiones públicas de escultura para calles, plazas públicas y cementerios alcanzaron un punto álgido a finales del siglo XIX en Estados Unidos. Uno de los escultores más destacados de América durante este período fue Augustus Saint-Gaudens (1848-1907). Creó El Adams Memorial (1886-1891) como monumento funerario dedicado a la esposa del escritor Henry Adams. Para la tumba de Marian "Clover" Hooper Adams, Saint-Gaudens combinó la tradición clásica en la escultura con un guiño hacia el budismo, especialmente en la sustancia tranquila, espiritual y meditativa de la figura. Adams había visitado Japón en 1886, un año después de la muerte de Clover, acompañado por el artista John LaFarge. Adams dio instrucciones a Saint-Gaudens para que basara el memorial de su esposa en imágenes de Guan Yin, el Bodhisattva de la compasión. Las Sibilas de Miguel Ángel en el techo Sixtina también inspiraron a Saint-Gaudens. Stanford White diseñó la parte arquitectónica del monumento, que incluye un banco de exedra en granito de color rosa Saint-Gaudens y White trabajaron juntos en numerosos proyectos, incluido el Monumento Farragut (1881) y el remate giratorio que representa a la diosa Diana para el segundo Madison Square Garden (1891-2). La figura sentada en el Adams Memorial es andrógina y, por lo tanto, parece provenir de un ámbito más espiritual. El pensamiento profundo, el misterio y la emoción fueron temas del arte simbolista que Saint-Gaudens capturó con éxito en este monumento. Se les puede pedir a los estudiantes que comparen esta escultura con la de John LaFarge. La gran estatua de Buda Amida en Kamakura (1886) o su Kuwannon meditando sobre la vida humana (Hacia 1886).

Al final de la clase.

* Houdon: configuración de una comparación entre Houdon George Washington y la obra neoclásica sobre el mismo tema de Horatio Greenough de 1840 generaría una buena discusión sobre las presentaciones “aceptables” e “inaceptables” de un gobernante. También mostraría cuánto tiempo persistió la tendencia neoclásica en los Estados Unidos.

** Canova: Iniciar un diálogo sobre el papel de Canova en la repatriación del arte italiano tomado por los franceses podría encender una agradable discusión sobre otros temas de la repatriación con los estudiantes. Para obtener información más detallada sobre la campaña de repatriación de Canova, consulte Christopher M.S. Johns, Antonio Canova y la política del mecenazgo en la Europa revolucionaria y napoleónica (Berkeley y Los Ángeles: University of California Press, 1988).

*** Grosero: se les puede pedir a los estudiantes que comparen y contrasten la pintura de Delacroix con la escultura Rude en términos de contexto, composición, características estilísticas y la política de la revolución y la historia de los levantamientos en Francia.

‡ Buenas comparaciones sobre el tema de la esclavitud para que los estudiantes hagan Esclavo griego incluir Hosmer's Zenobia encadenada De Raffaele Monti Esclavo circasiano (c. 1851) John Bell's Andrómeda (1851) y Bell's Esclavo americano (1853).

‡‡ Puede surgir una buena discusión al comparar los La Marsellesa con Carpeaux's El baile. Ambos se atribuyen al estilo romántico, y Carpeaux fue alumno de Rude, pero el trabajo de Carpeaux también tiene un vínculo palpable con el realismo. También existen algunas similitudes y diferencias formales y de composición. El tema de la reproducción de obras a gran escala en bronces más pequeños y comercializables y las obras en ediciones también puede provocar una discusión sobre el "original" en la escultura.

Caterina Y. Pierre (autora) es profesora titular de historia del arte y codirectora de Estudios sobre la mujer y el género en CUNY-Kingsborough Community College. También es profesora asociada visitante en el Pratt Institute.

Jon Mann (editor) es profesor adjunto en Lehman College, colaborador senior en Artsy, y colaborador de conferencias y editor en Art History Teaching Resources y Art History Pedagogy and Practice.

AHTR agradece la financiación de la Fundación Samuel H. Kress y el Centro de Graduados de CUNY.


Técnica

Hay tres técnicas principales que se pueden utilizar para adherir pequeños gránulos a una superficie metálica: soldadura dura, fusión y soldadura coloidal. Los materiales utilizados para la granulación suelen ser aleaciones de oro y / o plata de alto quilates por debajo de 18 kt. el oro y la plata esterlina no son adecuados para la granulación. La aleación de oro utilizada para reproducir las antiguas técnicas de orfebrería es de 22 kt, como en la joyería original. En todos los casos, el proceso comienza con la creación de los propios gránulos. 3 La soldadura de los gránulos y la filigrana se denomina "soldadura coloidal" y utiliza carbonatos, sulfatos u óxidos de cobre. La técnica también es descrita empíricamente por Cayo Plinio Segundo, más conocido como Plinio el Viejo, en Naturalis Historia, donde se refiere a ella como "Crisocola", que significa cola de oro. En Italia, se la conocía como "Santerna". 3
Podemos dividir la técnica decorativa en dos categorías: silueta y fondo. En el primer caso los perfiles de figuras, como animales, se crean mediante contornos granulados y en el segundo caso los espacios, que fueron previamente creados por filigrana de obra cerrada, se rellenan con granulación. 3

Gránulos

Los gránulos están hechos de la misma aleación que el metal al que se aplicarán. Un método comienza extendiendo una hoja de metal muy delgada y cortando franjas muy estrechas a lo largo del borde. La franja se recorta y el resultado son muchos pequeños cuadrados o plaquitas de metal. Otra técnica para crear granos utiliza un alambre muy delgado enrollado alrededor de un mandril delgado, como una aguja. Luego, la bobina se corta en anillos de salto muy pequeños. Esto crea anillos muy simétricos que dan como resultado gránulos de tamaño más uniforme. El objetivo es crear muchas esferas del mismo tamaño con un diámetro no superior a 1 mm.

Las plaquetas de metal o anillos de salto están recubiertos de polvo de carbón para evitar que se peguen durante la cocción. El fondo de un crisol se cubre con una capa de carbón y se rocían los trozos de metal para que estén espaciados lo más uniformemente posible. A esto le sigue una nueva capa de polvo de carbón y más piezas de metal hasta que el crisol esté lleno aproximadamente en tres cuartas partes. El crisol se cuece en un horno u horno, y las piezas de metales preciosos se deforman en pequeñas esferas a la temperatura de fusión de su aleación. Estas esferas recién creadas se dejan enfriar. Posteriormente se limpian con agua o, si se va a utilizar una técnica de soldadura, se decapa en ácido.

Los gránulos de tamaños desiguales no generarían un diseño agradable. Dado que es imposible para un orfebre crear esferas perfectamente combinadas del mismo diámetro exacto, los gránulos deben clasificarse antes de su uso. Se utiliza una serie de tamices para clasificar los gránulos.

Soldadura dura

Soldar elementos metálicos juntos se basa en la acción capilar de una soldadura de punto de fusión más bajo que fluye entre los elementos que se van a unir. La soldadura es una técnica de uso común para los joyeros de banco y se ha practicado desde la antigüedad. Sin embargo, la soldadura de pequeños granos de metal plantea un problema. Para soldar gránulos, es necesario cortar paillones extremadamente pequeños de soldadura y colocarlos cerca del punto de contacto entre el gránulo y el metal. Sería muy difícil replicar este proceso repetidamente con los cientos de gránulos que deben adherirse para lograr un diseño. Además, la soldadura requiere el uso de un agente aglutinante llamado fundente. Cuando el fundente se calienta, burbujea, esto fácilmente desaloja los artículos pequeños y enviaría gránulos a saltar por todas partes.

Brazalete de diamantes granulados Renacimiento etrusco, Castellani.

Una forma de evitar este problema es limar la soldadura a un polvo grueso y mezclarlo con el fundente en una lata pequeña llamada rochoir. 4 Los orfebres que utilizan esta técnica deben crear sus propios rochoir ya que esta no es una herramienta disponible comercialmente. La zona a la que se unirán los gránulos se pinta con tragacanto & # 8211 que actúa como pegamento & # 8211 y los gránulos se colocan con un pincel muy fino. Después de secar, los gránulos se rocían con el polvo de soldadura fundente y se calientan hasta el punto en que la soldadura fluye por debajo de los gránulos por acción capilar. Este proceso dejará restos de soldadura en los espacios entre los gránulos que no se pueden eliminar.

Este método no fue utilizado por los antiguos griegos o etruscos. Castellani, sin embargo, creó elementos utilizando esta técnica.

Fusionar

La fusión suelda dos metales de la misma aleación mediante el uso de calor solo. Es necesaria una hoja de metal con aproximadamente el mismo grosor que el diámetro de los gránulos para obtener una distribución uniforme del calor. Una vez colocados los gránulos utilizando un fundente diluido y una brocha fina, se cuece todo en un horno con atmósfera reductora. En el punto de alcanzar una temperatura de fusión, los gránulos y la chapa se fusionan. La gran ventaja de este método es que no queda fundente ni soldadura. Esta es una técnica de orfebrería avanzada que requiere gran habilidad y práctica.

Esta fue la técnica utilizada por los etruscos en el primer milenio antes de Cristo. La fusión era desconocida para los Castellani y sus contemporáneos italianos.

Una forma más moderna de lograr la fusión es mediante el uso de una corriente eléctrica. Esto se conoce como soldadura por fusión. La corriente eléctrica se aplica a cada gránulo, pasando a través del gránulo hasta la base, generando suficiente calor para fusionar los gránulos al objeto. La ventaja de este método es que se puede usar en artículos de joyería terminados, incluso en aquellos que ya están engastados. La desventaja radica en el hecho de que los gránulos pueden no acurrucarse tan estrechamente como lo requiere el diseño o que el flujo de corriente se atraerá a los gránulos vecinos, lo que dará como resultado uniones más sueltas.

Soldadura coloidal

La soldadura coloidal o eutéctica es una de las técnicas antiguas que se utilizó en Etruria. Esta técnica utiliza una mezcla coloidal de goma de tragacanto y sales de cobre. Este compuesto reduce la temperatura de fusión de los dos metales en contacto (los gránulos y la base), después de lo cual el cobre se difunde en ambos en el punto de contacto. Esto da como resultado una fuerte unión metálica.

La superficie del metal está pintada con la soldadura coloidal. Los gránulos se colocan encima de la soldadura con un pincel fino y se dejan secar lentamente. La pieza se cuece en atmósfera reductora y el tragacanto se quema liberando la sal de cobre del compuesto. A la temperatura de soldadura eutéctica (890 grados Celsius), el cobre se difunde en los gránulos y la base los une. Esto requiere una buena sincronización y mucha habilidad.

Debido al uso de sales de cobre, esta técnica también se conoce como químico soldadura.


El dedo de la estatua del emperador Constantino: de la colección Campana al Louvre

Finger, Musée du Louvre (C) RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) Hervé Lewandowski

En junio de 2018, el Musée du Louvre emitió un comunicado de prensa * informando al público en general que habían resuelto un misterio de más de 150 años. Desde 1862, el museo posee un dedo de bronce, de 38 cm de altura, claramente un fragmento de la mano de una estatua antigua. Lo único que sabíamos de este dedo es que fue comprado por Napoleón III cuando adquirió parte de la colección Campana durante el Segundo Imperio. Aparte de eso, se desconocía la historia y la procedencia del dedo.

La colección Campana y el efímero "Museo Napoleón III"

El Marqués Giampietro Campana (1808-1880) fue Director del Vaticano Monte di Pietà (Monte de la Piedad, un prestamista institucional que formaba parte de la Tesorería Pontificia). Campana fue un coleccionista de arte como su padre y su abuelo, y acumuló una colección excepcional, que incluye objetos arqueológicos, pinturas de los primitivos italianos, pinturas del Renacimiento italiano, esculturas y objetos. Sin embargo, abusando de su posición como director de la institución de casas de empeño, Campana utilizó fondos de la misma para enriquecer su colección. Fue arrestado en 1857 y sentenciado en 1858 a veinte años de prisión, siendo finalmente conmutada su sentencia en 1859 por destierro de por vida, con confiscación de sus bienes. El Papa Pío IX tomó posesión de la colección, que tenía fama en toda Europa, y se puso a venderla. Se llevaron a cabo discretas negociaciones con Napoleón III, que era cercano a Campana y su esposa británica Emily Rowles (a quien había conocido en Chislehurst, Kent, y en cuya antigua casa finalmente se asentaría cuando regresara a Gran Bretaña en el exilio), pero el Emperador Encontré el primer precio demasiado alto. Al final, los primeros lotes fueron adquiridos por Gran Bretaña en 1860 para el Museo de South Kensington (ahora museo Victoria and Albert), y luego por Rusia en 1861 para el Museo del Hermitage. Estas compras llevaron a los círculos culturales franceses a aumentar la presión sobre Napoleón III para que hiciera un movimiento. En 1863, Bélgica finalizó la adquisición de un conjunto de jarrones escondidos por familiares de Campana del Estado Pontificio.

Para mantener un perfil bajo, el emperador no envió al conde Nieuwerkerke (1811-1892), director general de los museos imperiales y futuro superintendente de Bellas Artes (en junio de 1863), para negociar el precio, sino al historiador Léon Rénier. (1809-1885) y el pintor Sébastien Cornu (1804-1870 esposo de Albertine-Hortense Lacroix, cuyos padres habían estado al servicio de la reina Hortense). El 20 de mayo de 1861 se firmó un contrato para la venta de 11.835 artículos de la colección Campana por la suma de 4,36 millones de francos. La ley del 2 de julio de 1861 asignó un crédito de 4,8 millones de francos para la creación de un "museo de Napoleón III" para albergar esta colección, así como las piezas resultantes de las excavaciones arqueológicas imperiales en Oriente Medio. **

El objetivo de este “Musée des arts appliqués à l & # 8217industrie & # 8221 (& # 8220museum of the arts aplicadas a la industria & # 8221) era proponer una visión general de las técnicas y su evolución a través de series didácticas de obras, con el fin de favorecer el desarrollo de las artes industriales y decorativas proporcionando modelos de inspiración y reflexión. *** Mientras se preparaban las salas del Museo del Louvre para albergar las obras, el “Museo Napoleón III” se instaló temporalmente en el Palais de l & # 8217Industrie. Fue inaugurado el 30 de abril de 1862 y abierto al público el 1 de mayo (el mismo día de la inauguración de la Exposición Universal de Londres), y fue un gran éxito. Se distribuyeron varios cientos de entradas para permitir a los profesionales (académicos, directores de talleres, artesanos) prolongar su estudio de las exposiciones fuera del horario oficial del museo. **** También se publicó una guía basada en artículos de Ernest Desjardins de la Moniteur (se puede ver una copia aquí en Gallica).

El cierre del “Museo Napoleón III”, inicialmente previsto para el 1 de agosto, fue aplazado hasta el 31 de octubre por Decreto Imperial de 12 de julio de 1862 (debido al retraso en las obras del Louvre). El mismo decreto confirmó la decisión de transferir una gran parte de las obras a las colecciones del Louvre & # 8217s y de enviar una selección de piezas a los museos provinciales, con miras a desarrollar un & # 8220 semillero de escuelas-museo en todos los departamentos & # 8221. ****

El decreto de julio de 1862 se emitió cuando se estaban produciendo acaloradas discusiones entre, por un lado, los que apoyaban la decisión de Napoleón III de unir la mayoría de las obras expuestas con las del Museo del Louvre para crear una visión enciclopédica, y sobre por otro lado, los partidarios de un “museo Napoleón III” independiente del Louvre, centrado en las artes industriales.

Además del Louvre, otros dos museos de París recibieron obras: el Musée du Moyen Âge de Cluny y el Musée de la Céramique de Sèvres. Fuera de París, los museos de Montpellier y Nantes, considerados los más importantes en ese momento, pero también los de Lyon, Aviñón, Lille, Dijon, Metz y muchos otros, fueron obras atribuidas, cuyo número y calidad dependieron. sobre si el establecimiento pertenecía a la primera, segunda o tercera categoría de clasificación de museo.

El 15 de agosto de 1863, se abrieron nuevas salas en el Museo del Louvre, donde el público pudo admirar el llamado "Sarcófago de los esposos Cerveteri", y "La batalla de San Romano: el contraataque de Micheletto da Cotignola" de Paolo Uccello.

Sarcófago, conocido como & # 8220Sarcófago de los cónyuges & # 8221, circa 520-510 A.C. © Museo del Louvre, RMN / Philippe Fuzeau

Paolo di DONO, conocido como UCCELLO (1397-1475), La batalla de San Romano: el contraataque de Micheletto da Cotignola, alrededor de 1435 & # 8211 1440?
RMN / Jean-Gilles Berizi 1997

El & # 8220Musée Napoléon III: las salas de loza del Louvre & # 8221, de Sébastien Charles Giraud, presentado en el Salón de 1866 © RMN-Grand Palais (Musée du Louvre) / Adrien Didierjean

2018: el dedo se reencuentra con su mano & # 8230

Fue durante un proyecto de investigación sobre la técnica de fabricación de grandes bronces antiguos realizado por el Museo del Louvre y el Centre de recherche et de restauration des Musées de France (C2RMF) *, que el dedo finalmente se reunió con su mano original. Se hizo una copia de resina para confirmar el descubrimiento de los curadores del Louvre & # 8217: este dedo faltaba en la mano de la monumental estatua del emperador Constantino, que se encuentra en el Museo Capitolino de Roma (junto con la cabeza de la misma estatua, el globo terráqueo). probablemente llevado por esta mano, y un pie: ver un video de la sala del museo con estas piezas).

Claudio Parisi Presicce colocando la reproducción en resina del Museo del Louvre y el dedo # 8217 en la mano de la colosal estatua de Constantino en el Museo Capitolino, Roma. Mayo de 2018. Museo del Louvre / F. Gaultier

Irène Delage, septiembre de 2018 (traducción RY)

** Arnaud Bertinet, & # 8220L & # 8217achat de la collection Campana & # 8221, en Napoleón III, la revista del Segundo Imperio, 2011, n ° 48, págs. 25-29. Arnaud Bertinet recibió una beca de estudios de la Fondation Napoléon en 2004 y es autor de Les musées de Napoléon III. Una institución para las artes (1849-1872), editado por Mare et Martin, en 2015.

*** Isaline Deléderray-Oguey, «La colección Campana au musée Napoléon III et la question de l’appropriation des modèles pour les musées d'art industriel», Les Cahiers de l'École du Louvre [en línea], 11 | 2017, 26 de octubre de 2017, consultado el 28 de agosto de 2018. URL: http://journals.openedition.org/cel/721 DOI: 10.4000 / cel.721

**** Arnaud Bertinet, Les musées de Napoléon III. Una institución para las artes (1849-1872), publicado por Mare et Martin, en 2015: ver p. 239-309 y p. 403-412.

Desde el 7 de noviembre de 2018 & # 8211 11 de febrero de 2019, hubo una exposición en el Musée du Louvre, Un sueño de Italia: la colección del marqués Campana.


Estelación y facetado: una breve historia

14 de mayo de 2021. Más detalles de la fuente, otras mejoras menores.

2 de diciembre de 2018. Arregle enlaces muertos y otras mejoras menores.

4 de abril de 2017. Añadido Hugel, 1876. Otras aclaraciones menores.

Introducción

La estelación es el proceso de extender los lados de un polígono, las caras de un poliedro y, en general, las células de un politopo de mayor dimensión, hasta que se encuentran para formar una nueva figura. Facetar, o facetar, es el proceso de eliminar partes de un polígono, poliedro o politopo sin crear nuevos vértices, exponiendo nuevas caras o facetas. Los dos procesos son recíprocos, o duales: si tomamos un poliedro y lo estrellamos, entonces podemos tomar el poliedro dual y facetarlo recíprocamente, la estelación y el facetado resultantes seguirán siendo un par dual de poliedros.

Desarrollada lentamente durante muchos siglos, la teoría de la estelación se ha desviado un poco de su curso en los últimos tiempos, especialmente a manos de J.C.P. Miller y H.S.M. Coxeter. La teoría de las facetas puede ser relativamente reciente, se puede rastrear solo hasta 1858 y poco estudiada; me he encontrado con pocas referencias. Dado que los procesos son recíprocos, las dos teorías también deben ser presentables en formas recíprocas. O, para decirlo de otra manera, son dos expresiones diferentes de una verdad matemática subyacente común. Desafortunadamente, la mayoría de los estudios de estelación del siglo XX ignoraron este aspecto y, en consecuencia, son inconsistentes con él. Uno de los propósitos de la historia (probablemente bastante incompleta) que se presenta aquí es ayudarnos a seleccionar hilos de continuidad en el panorama general, y no dejarnos desviar por ideas aparentemente claras, pero no muy sólidas.

En el texto se dan muchas referencias individuales. Esta historia también se extrae de algunas fuentes más generales:

  • H.S.M. Politopos regulares de Coxeter, 3ª edición, Dover (1973).
  • H.S.M. Coxeter et. Alabama. Los cincuenta y nueve icosaedros, 3a edición, Tarquin (1999)
  • P. Cromwell Polyhedra, CUP (1999).
  • P. Messer "Estelaciones del triacontaedro rómbico y más allá", Simetría: cultura y ciencia, 11 (2000), pp 201-230. Ésta es una versión actualizada del artículo original de Structural Topology, 21 (1995), págs. 25-46.
  • K. H. Veltman Geometric Games: A Brief History of the Not so Regular Solids, edición web sin ilustraciones, 1990. (Archivo de Internet)
  • Mis propias investigaciones, incluidas las comunicaciones privadas con muchos poliedronistas.

Junto con los aspectos más destacados de cada hito, he incluido algunos comentarios, incluso opiniones, que considero útiles.

Cualquier corrección, adición u otro comentario recibido con gratitud.

Cronología histórica

Séptimo c. ANTES DE CRISTO. Pentagrama representado en el jarrón de Aristófanos (Aristophonus), encontrado en Caere (moderno Cerveteri) en el norte de Italia. Fue utilizado como símbolo místico y como signo de reconocimiento secreto por los pitagóricos.

Siglo XIV ANUNCIO. Thomas Bredwardine (Bredwardinus) registra el primer tratamiento sistemático conocido de polígonos estelares al extender los lados de otro polígono.

California. 1430. Pequeño dodecaedro estrellado representado en una tarsia de mármol, o panel, en el suelo de la basílica de San Marcos, Venecia. Atribuido a Paulo Ucello.

California. Siglos XV-XVI. ANUNCIO. Charles de Boulles investiga polígonos estelares.

1509. En su libro De divina proporione, Luca Pacioli aumenta (agrega pirámides a) el octaedro para obtener la figura que Kepler llamaría más tarde la estela octangula. Leonardo da Vinci también incluye una estelación del dodecahdron entre sus ilustraciones para el libro de Pacioli.

1568. Wenzel Jamnitzer publica su Perspectiva Corporum Regularium, una serie de xilografías que exploran el corte sistemático de los poliedros platónicos. Entre ellos hay ejemplos que muestran claramente que comprende los procesos de estelación y facetado, aunque no su reciprocidad. Se representan algunos poliedros de estrellas aparentemente regulares, pero es evidente por el subtítulo extenso de la obra que no se da cuenta de que son regulares.

1619. Kepler define la estelación primero para polígonos y luego por extensión para poliedros, como el proceso de extender los bordes (o caras) de una figura hasta que se encuentran para obtener una nueva figura. Estela el dodecaedro regular para obtener el dodecaedro estrellado pequeño y grande. Como hemos visto, estas cifras han sido descritas por investigadores anteriores, pero Kepler es el primero en darse cuenta de que son regulares. También reconoce las propiedades de la estela octangula, como un compuesto regular que es tanto una estelación del octaedro regular como una faceta del cubo (aunque probablemente no tenga idea de la dualidad de estos arreglos).

1809. Poinsot considera tanto las figuras del vértice de las estrellas como las caras de las estrellas. Descubre las estrellas regulares restantes: el gran dodecaedro y el gran icosaedro, y también redescubre las figuras de Kepler. Su relato preliminar de los polígonos estelares es algo confuso, describiéndolos como enrollados a partir de un solo trozo de alambre dividido igualmente a lo largo de su longitud, pero luego describe el hexágono de doble enrollado como un compuesto de dos triángulos distintos (es decir, que requieren dos trozos de alambre). .
L. Poinsot "M & eacutemoire sur les polygones et les poly & egravedres", Journal del '& Eacutecole Polytechnique, 4 (1810), págs. 16-49.

1812. Cauchy aplica el principio de simetría explícitamente por primera vez y estela los sólidos regulares para demostrar que la lista de Poinsot está completa. Cauchy también es consciente de los compuestos regulares, de cinco y diez tetraedros y de cinco octaedros, como estelaciones del icosaedro regular. No usa palabras como "estrellado", pero habla de "poliedros de un tipo superior".
A.L. Cauchy "Recherches sur les poly & egravedres", Journal de l '& Eacutecole Polytechnique, 16 (1813), págs. 68-86.
Traducción al inglés disponible aquí (PDF).

1858. Bertrand deriva los poliedros de estrellas regulares de manera más elegante, al facetar el icosaedro y el dodecaedro. Utiliza el término "& eacutetoil & eacute" (estrellado o estrellado) junto con la terminología de Cauchy, de una manera que sugiere que el término ya era familiar para su audiencia. En una nota posterior en el mismo diario, afirma erróneamente que Kepler no apreció que las caras de sus poliedros estelares fueran pentágonos estelares.
J. Bertrand "Note sur la th & eacuteorie des poly & egravedres r & eacuteguliers", Comptes rendus des s & eacuteances de l'Acad & eacutemie des Sciences, 46 (1858), págs. 79-82, 117.
Traducción al inglés disponible aquí (PDF).

1859. Cayley modifica la fórmula de Euler para tratar de explicar los recuentos inusuales de caras, aristas y vértices que dos de las estrellas regulares tienen en comparación con un poliedro convexo (aún no se comprendía su relación con los toroides). Él le da a los cuatro poliedros de estrellas regulares sus nombres aceptados en inglés, traduciendo "& eacutetoil & eacute" como "estrellado".
A. Cayley "Sobre los cuatro nuevos sólidos regulares de Poinsot", Philosophical Magazine, 17, (18), págs. 123-128.
A. Cayley "Segunda nota sobre los cuatro nuevos poliedros regulares de Poinsot", Philosophical Magazine, 17, (18), págs. 209-210.

1876. Hugel investiga muchas estrellas regulares y semi-regulares. Por primera vez da la forma geométrica correcta para el hexágono estrella regular <6 /2> como un triángulo de doble herida en apariencia, corrigiendo así el error cometido por Poinsot.
Theodore Hugel Die Regulären und Halbregulären Polyeder, Gottschick-Witter, Neustadt a.d.H.

1900. Bruckner expone en detalle la teoría de la reciprocidad poliédrica. Describe las estelaciones conocidas, junto con seis estelaciones más del icosaedro.

1901. Schl & aumlfli, habiendo redescubierto las estrellas de Kepler, niega que las nuevas de Poinsot sean poliedros porque no se ajustan a la fórmula original de Euler.

1924. Wheeler aplica la teoría de grupos al icosaedro. Introduce la idea de describir solo las regiones visibles de una cara; no está claro por qué. Considera regiones, o elementos, dentro de los planos faciales para descubrir nueve "formas" más del icosaedro, incluidas dos que consisten en varios poliedros discretos dispuestos simétricamente en el espacio. Contrasta explícitamente su enfoque con el de Kepler y evita el término "estelación" al describirlo. Nótese más bien su uso en el título del artículo de "poliedros superiores" a la manera de Cauchy.
A. H. Wheeler "Ciertas formas del icosaedro y un método para derivar y designar poliedros superiores", Proc. Internat. Matemáticas. Congreso, Toronto, 1924, vol. 1, págs. 701-708.

California. finales de 1920? J.C.P. Miller propone cinco reglas (presumiblemente a Coxeter) para determinar qué estelaciones del icosaedro deben considerarse adecuadamente significativas y distintas. Se basan en la noción de Wheeler de considerar solo las regiones visibles y hacen poca referencia a la comprensión tradicional kepleriana de la estelación. H.S.M. Coxeter aplica una variante refinada del método de Wheeler a las reglas de Miller, para enumerar 59 "estelaciones". Acepta sin cuestionar las formas discretas de Wheeler como estelas adecuadas.
También en esta época, H.T. Flather, de forma independiente, comienza a explorar los icosaedros estrellados y a hacer modelos de ellos.

1932. Coxeter y Flather se encuentran. Si bien se descubre que algunos de los modelos existentes de Flather "no son de Miller", crea nuevos modelos para completar su conjunto de 59.

1938. Du Val corrobora el análisis de Coxeter de las reglas de Miller. Junto con las ilustraciones de los resultados dibujados por J.F. Petrie y un reconocimiento posiblemente gratuito a Flather, la lista se publica como Los cincuenta y nueve icosaedros. En la introducción, Coxeter reitera la definición kepleriana de estelación, como la extensión de las caras de un poliedro hasta que se reencuentran, antes de declarar sin rodeos las reglas de Miller, aparentemente sin darse cuenta de que no se siguen de la discusión anterior de ninguna manera sensata. Ciertamente, no se ofrece ninguna justificación o reconocimiento para este abrupto cambio de dirección. El análisis de Coxeter pasa a convertirse (con razón) en un símbolo icónico del renacimiento de la geometría moderna, enterrando durante décadas la cuestión de qué está analizando realmente.
H.S.M. Coxeter, P. Du Val, H.T. Flather y J.F. Petrie Los cincuenta y nueve icosaedros (1938).

1947. Coxeter observa secamente de pasada que la estelación y el facetado (sic) son procesos recíprocos.
H.S.M. Coxeter, Politopos regulares (1947).

1957. Dorman Luke examina las estelas del dodecaedro rómbico. Al igual que con Coxeter et al, Luke considera solo las regiones faciales expuestas. Una posdata firmada H.M.C. (Martyn Cundy) sugiere que las estelaciones de Dorman Luke se ajustan a las mismas reglas que Los cincuenta y nueve icosaedros. Un examen momentáneo muestra que no es así: Luke ha relajado la Regla de Miller (v), permitiendo conjuntos de celdas concéntricas que se encuentran solo en puntos. Aun así, todavía extraña la figura formada al quitar la segunda estelación de la tercera, como hace con otras figuras, pero luego sustituyendo la primera estelación en su lugar para obtener dos conjuntos de celdas concéntricas que se unen a lo largo de los bordes de manera que cualquier cara del terminado el sólido corre indivisiblemente en ambos conjuntos de celdas.
D. Luke "Estelaciones del dodecaedro rómbico", The Mathematical Gazette 41 (1957), págs. 189-194.

1958. Ede enumera las estelaciones de "línea principal" del triacontaedro rómbico, que son las que comprenden cada capa sucesiva (capa que encierra completamente uno o más tipos) de células.
J. D. Ede, "Rhombic Triacontahedra", The Mathematical Gazette, 42 (1958), págs. 98-100.

Mediados de la década de 1960. Bruce Chilton busca en el diagrama de facetas del dodecaedro y encuentra más de 100 facetas, supuestamente llenando al menos un cuaderno (inédito). No puede convencer a Coxeter de que puede haber más de 59. Construye un modelo de la faceta finita más profunda, que él y George Olshevsky bautizarían más tarde como "Huitzilopochtli", en honor a una deidad azteca (a otros poliedros puntiagudos también se les ha dado este nombre ).

California. 1970. Conway distingue "estelación" como bordes extendidos, "engrandecimiento" como caras extendidas y (para policora 4D) "engrandecimiento" como celdas extensibles. En base a esto, modifica los nombres de algunos poliedros conocidos. Por ejemplo, la mayoría de las estelaciones del icosaedro se convierten en su lugar en agrandamientos. La primera referencia publicada al esquema de Conway parece estar en el libro de Coxeter. Politopos complejos regulares (1974). En el mundo de los poliedros, el antiguo significado de "estelación" que cubre tanto la estelación del borde como la estelación de la cara sigue siendo popular, y el esquema de Conway se ha limitado principalmente a la clasificación y denominación de la policora estrella (politopos de 4 dimensiones).

1974. Bridge enumera lo que podría describirse como las ordenadas facetas del dodecaedro regular y las recíproca para descubrir varios isomorfos de algunos icosaedros estrellados, así como el icosaedro estrellado Df 2 que es un dual uniforme pero que, sin embargo, no está presente entre los 59 (está prohibido según las reglas de Miller). Coxeter no está interesado. Mientras tanto, el propio Bridge rechaza dos facetas sobre la base (espúrea y no relacionada) de que las estelaciones recíprocas se extenderían hasta el infinito. Trabajando más o menos en forma aislada, introduce la ortografía alternativa del verbo "facetting", junto con el sustantivo inusual "facetion".
N. J. Bridge, "Facetting the dodecahedron", Acta Crystallographica, A30 (1974), págs. 548-552. (PDF)

1975. Pawley enumera las estelaciones "no reentrantes" del triacontaedro rómbico, que son aquellas en las que todas las partes visibles de una cara se ven desde el mismo lado: no hay regiones "socavadas". En la actualidad, se denominan estelaciones "totalmente compatibles". Las estelaciones de la línea principal (1958) son un subconjunto de ellas.
G. S. Pawley, "The 227 Triacontahedra", Geometriae Dedicata, 4 (1975), págs. 221-232.

1983. Wenninger observa que los poliedros "hemi" tienen duales que son infinitas estelaciones (del tipo rechazado por Bridge) y desarrolla un método, basado en la reciprocidad, para definir formas adecuadas para hacer modelos. La presentación de la teoría es defectuosa, pero funciona en la práctica.
M.J. Wenninger, Modelos duales, CUP (1983).

1988. Hudson y Kingston, aparentemente ignorantes de gran parte del trabajo reciente, proporcionan un relato legible basado ampliamente en el enfoque de Coxeter et. Alabama. Sus reglas establecidas para la estelación son menos estrictas y permiten más estelaciones que las de Miller, aunque no está claro si lo entienden. Sus reglas aún no admiten estructura interna. De paso dan una definición de facetado que no concuerda con el término definido por Coxeter y empleado por Bridge.
J.L. Hudson y J.G. Kingston "Stellating polyhedra", Mathematical Intelligencer 10 (1988), págs. 50-61.

1989. Messer define las estelaciones "primarias". Los bordes se encuentran en planos de reflexión del núcleo (por lo que los poliedros asimétricos no tienen estelas primarias). Estos también son un subconjunto de las estelas totalmente suplementadas (1975).

1995. Messer define las estelaciones "primarias". Los bordes se encuentran en planos de reflexión del núcleo (por lo que los poliedros asimétricos no tienen estelas primarias). Estos también son un subconjunto de las estelas totalmente sustituidas (1975).
P. Messer "Stellations of the rhombic triacontahedron and beyond", Structural Topology, 21 (1995), págs. 25-46.

1998-2002. Inchbald (el presente autor) usa una computadora para descubrir varias estelaciones nuevas del icosaedro. Escribe una crítica de los 59, en la que señala algunas de las deficiencias de las reglas de Miller y describe dos de sus nuevas estelaciones.
Justo cuando su artículo va a imprimirse, se topa con la observación de Coxeter de 1947 sobre la reciprocidad y se da cuenta de que esta es la clave para una teoría coherente.
G. Inchbald, "En busca del icosaedro perdido", The Mathematical Gazette 86 (julio de 2002) pp. 208-215.

California. 2000. Robert Webb crea el software Great Stella y agrega herramientas para poliedros recíprocos y para crear estelas a partir del diagrama de celdas.

California. 2001. Messer define las estelaciones "monoacrales" (literalmente, de un solo pico) que tienen vértices congruentes dentro de una sola órbita de simetría. Primer uso publicado por Webb en Great Stella.

2003. Gr & uumlnbaum describe cuatro nuevos poliedros nobles que existen en pares duales y pueden estar inscritos en (es decir, facetas de) el dodecaedro. Por dualidad también deben ser estelas del icosaedro. Tienen algunas características bastante curiosas, y no todos las aceptarían como poliedros adecuados.
B. Gr & uumlnbaum, "¿Son sus poliedros los mismos que mis poliedros?", Discreto y comput. geom: el festschrift de Goodman-Pollack, Ed. Aronov et. al., Springer (2003), págs. 461-488.

2002-ca. 2006. Inchbald comienza la tarea de desarrollar un marco teórico moderno y continúa descubriendo nuevas facetas del dodecaedro (incluidos los hemi rechazados por Bridge) y estelaciones del icosaedro (incluidos los duales infinitos de los hemi). Olshevsky aporta algunas estelaciones icosaédricas nuevas propias.
Olshevsky y Richard Klitzing se embarcan en un proyecto para facetar metódicamente muchos otros poliedros y extender el proceso a dimensiones superiores.
Webb introduce progresivamente herramientas de facetado en Great Stella, acelerando el trabajo de estos investigadores y otros. Adopta el estilo de Wenninger de infinitos duales para hemi polyedra.

2006. Inchbald redescubre dos modelos de estelaciones "no Miller" del icosaedro, conservados en el Departamento de Matemáticas Puras y Estadística Matemática de la Universidad de Cambridge, junto con los famosos modelos de Flather de los cincuenta y nueve icosaedros "Miller". Tentativamente atribuye estos modelos a Flather. La implicación es que hizo estos modelos antes de ver los resultados de Coxeter. Aunque están prohibidos por las reglas de Miller, están permitidos por las reglas menos restrictivas de Hudon & Kingston.
G. Inchbald, "Algunas estelaciones perdidas del icosaedro".

2009. Hudson describe algunas estelaciones nuevas de acuerdo con sus reglas, que ahora llama estelaciones "externas". Ahora, reconociendo que los poliedros estelares tienen una estructura interna, define la estelación "interna" como el proceso de eliminar las células externas para revelar partes de esta estructura. Al igual que otros enfoques basados ​​en células, no se dualiza claramente a un equivalente de facetado.
J. Hudson, "Más estelas de los poliedros uniformes", The Mathematical Intelligencer, 31 No. 4 (2009), págs. 18-26.


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